Diario Cultura

Este viernes 26, 'El Amante' de Harold Pinter

2011-08-24T16:02:00.005-05:00

Dentro del Festival "José Martínez Queirolo", se presenta esta pieza del Premio Nóbel de Literatura Harold Pinter: Dramaturgo, guionista, poeta, actor, director y activista político británico. Con la dirección de Jaime Tamariz y la actuación de Alejandra Paredes y Alejandro Fajardo.

“El Amante” es una obra corta y compleja. Una pareja estancada en la rutina de su relación se embarca en un juego erótico de roles, pero pronto, sin darse cuenta, traspasan los límites hasta que sucumben al juego y a la trampa.

Lugar: Casa de la Cultura, Núcleo del Guayas (Av. 9 de Octubre y Pedro Moncayo)

Hora: 20h00

Valor de entradas: $7 general, $5 estudiantes

Cine Foro de Danza

2011-08-18T15:45:00.003-05:00

La bailarina y coreógrafa independiente Carolina Pepper llevará a cabo esta noche a las 19h30, un cine foro de Danza en la Alianza Francesa de Guayaquil, Sede Principal (Hurtado 436 y Mascote)

El tema de esta noche está centrado la recientemente desaparecida coreógrafa Odile Duboc, creadora de la emblemática obra “Projet de la matiere” (1993). Su trabajo de creación y pedagogía, los ensayos de la obra,el espectáculo, y su vida de bailarina.

¨Matambre¨en Quito

2011-08-18T15:26:00.003-05:00

La obra ganadora del 11. Festival de Artes 2010, ¨Matambre¨, se presentará desde hoy jueves 18 hasta el domingo 21 de Agosto en Quito en el Teatro Malayerba (Sodiro 345 y 6 de Diciembre).

Sobre ¨Matambre¨

Fue nuestro sueño casi desde que empezamos a trabajar juntos, ahora es una realidad que queremos compartir con el mundo. Matambre teatro clown nace a partir de un trabajo de preparación, de experimentación y búsqueda de nosotros mismos y de nuestros clowns y que con el director logramos llegar a poner en escena, teniendo como punto de partida que le quiero decir al mundo.

¨Matambre¨ realizó su gira nacional presentándose en Cuenca, Manta, Quito, Loja y Guayaquil. Fue invitado a participar en el Entepola Ecuador 2010, en el 5to. Festival del Humor del Centro Cultural Sarao y en la Feria del Libro organizada por el Ministerio de Cultura.

Fuera del país recorrió escenarios como La casa Michi, Teatro Julieta y la Carcel del Callao (Lima-Perú), Teatro del DUOC (Santiago de Chile), Festival de Varietes La Guapachoza (Buenos Aires) y Galpon de las Artes (Mar del Plata-Argentina).

Obra Ganadora del Premio Único de Teatro, mejor actor y mejor actriz del FAAL 2010 organizado por el Municipio de Guayaquil - Ecuador.

En Marzo del 2011 participo en el 8avo. encuentro internacional de mujeres en escena ¨Tiempos de mujer¨. Temporada Quito en Junio en el Teatro Variedades y Patio de Comedias.

Fatale, muestra de Cine Erótico

2011-08-16T17:29:00.003-05:00

"Fatal" es una muestra de cine erótico que gira en torno a la Femme Fatal, donde se proyectarán tres películas emblemáticas del cine europeo con recreaciones perfomáticas, cine foro y muchas sorpresas más!

Este encuentro se dará en el lobby del Museo Nahim Isaías (Pichincha y Clemente Ballén), los días miércoles 17, jueves 18 y viernes 19 de Agosto a las 19:00

Don Giovanni de Mozart en el Teatro Centro de Arte

2011-08-15T08:15:00.002-05:00

ÓPERA: DON GIOVANNI, de Mozart

Una cita con el especialista. Este interesante género de las artes escénicas será analizado por Nicolás Romero, quien estará dialogando con el público y presentando los mejores momentos de esta fabulosa ópera.

LUNES 15 DE AGOSTO A LAS 19H00

SALA DE MÚSICA

TEATRO CENTRO DE ARTE (km. 4 y medio Vía a la Costa)

ENTRADA LIBRE

Festival de Cine para Niños y Adolescentes

2011-08-15T08:04:00.005-05:00

La Alianza Francesa de Guayaquil en colaboración con CEFOCINE, Organización de Comunicación y Educación presentan DIVERCINE : una selección de cortometrajes y largometrajes de diferentes países del mundo, dirigidos a niños y niñas a partir de 3 años de edad y adolescentes.

El festival que arranca hoy lunes 15 y se extenderá hasta el sábado 20 de agosto tendrá funciones de 10:00 am a 12:30 pm en la sede principal de la Alianza Francesa (Hurtado y José Mascote).

¿Qué es DIVERCINE?

DIVERCINE es un esfuerzo colectivo que desde hace 20 años se realiza en Montevideo, Uruguay, y que por tercera vez se llevará a cabo en Ecuador a través de CEFOCINE, con el objetivo de difundir material audiovisual de calidad. También se efectuará en Quito, Cuenca y Santa Elena.

Son 97 films desarrollados tanto en formato de animación como de imagen real que proceden de Argentina, Alemania, Canadá, Brasil, México, Chile, Cuba, Holanda, Francia, Estados Unidos, Letonia, Noruega, Polonia, Uruguay, España, Bolivia, Colombia, Puerto Rico, Islandia, Rusia y Uruguay. Abordan diferentes temáticas que apuntan a desarrollar valores como amor, derechos, perseverancia, diálogo, amistad, respeto a las diferencias, conservación del medio ambiente, fuerza de voluntad, entre otros.

Programación del lunes 15:

Vaca - 1'

El color de la alegría - 1'

Doña Coroquiña - 3'

Pantuflas - 6'

Parlamento - 7'

Festival de playa - 10'

El vuelo de Atí - 10'

Concurso de baile - 17'

Burbujas - 2'

Murciélago - 3'

Malditas - 4'

La gallinita roja - 8'

Domingo - 10'

Clarita - 23'

Las aventuras de Don Quijote - 73'

Al finalizar las proyecciones, los asistentes podrán participar de un foro.

Fantoche Presenta: Uy, un Muerto!

2011-08-13T15:18:00.003-05:00

Fantoche viene con una nueva propuesta de impro, esta vez metiéndose en el lado policial. Un asesinato será la excusa para comenzar a 'investigar' los móviles del crimen. Todo esto con la participación de todos.

¿Quién es el asesino, las pistas, la víctima, ¿Cómo y por qué lo mataron?... Descúbrelo este sábado 13 de Agosto en Fantoche Casa Teatro (Rocafuerte 264 y Loja).

Hora: 21h00

Valor: $7 con cerveza incluida.

Regresa Karaoke a las tablas de Guayaquil

2011-08-12T15:24:00.006-05:00

Desde mañana sábado 13 de Agosto regresa la obra de Muégano Teatro, Karaoke (Orquesta Vacía), que estará en cartelera todos los sábados y domingos a las 18h30 hasta el domingo 28 de agosto.

Escrita y dirigida por Santiago Roldós, la obra ha sufrido varias transformaciones radicales a lo largo de sus dos años de tránsito por diversos escenarios y festivales de Iberoamérica, y es una reflexión acerca de los despropósitos del imperio del poder sobre los afectos, una pregunta sobre si verdaderamente estamos condenad@s a repetirnos.

LUGAR:

Teatro Laboratorio del ITAE (Av. Quito y Bolivia, bajos del Centro Cívico) 

FECHAS:

Sábado 13, domingo 14; sábado 20, domingo 21; sábado 27 y domingo 28 de agosto 

HORA:

18H30 

ENTRADA:

Cooperación solidaria

Este Feriado, Teatro en Arawa

2011-08-12T15:01:00.004-05:00

Teatro Arawa (Chile y Av. Olmedo, junto a la Casona Universitaria) sigue adelante en su gestión de presentar obras de teatro que rompen con la teatralidad convencional. Este fin de semana de feriado le toca el turno al grupo quiteño Xona Bastarda que trae la obra Testimonio de un Centauro Plateado.

La obra, es un conjunto de actos, donde el tema principal es la desaparición. En la pieza coexisten tres voces: Centauro, hombre y mujer.

Esta investigación se la ha denominado Cirquillo del dolor humano, o escenas construidas alrededor del recuerdo, el dolor, la soledad, la oscuridad.

SOBRE LA AGRUPACIÓN:

Xona bastarda estudia al teatro y al interprete del mismo a manera de laboratorio, la agrupación toma como marco temático a sus investigaciones dentro del corpus: Política, Teatro y Memoria; investigamos, experimentamos y comunicamos mediante el desarrollo de obras destinas a la búsqueda de la reestructuración de la memoria histórica en el público.

FUNCIONES

VIERNES: 12 de agosto, 20h00

SÁBADO: 13 de agosto, 20h00

DOMINGO: 14 de agosto, 18h30

ENTRADAS

General: $5,00

Estudiantes con carnet: $3,00

Adultos mayores: $2,50

Lugar: Chile y Av.Olmedo. Junto a la Casona Universitaria, entrando por el garaje, frente a Bahía mall.

Teléfono: 2511572

Taller de Escritura con Jorge Velasco Mackenzie

2011-08-12T14:46:00.007-05:00

¿Te gusta escribir? ¿Quieres adquirir un ritmo de trabajo sostenido? ¿Necesitas revisar y compartir tus textos para avanzar con tu producción literaria?

El escritor Jorge Velasco Mackenzie te dará pautas para construir textos que podrás crear para producir, al final del taller, un libro de cuentos, una novela, o ser parte de la primera antología de CadáverExquisito Ediciones.

Casa Morada, iniciativas culturales y Librería Mr Books anuncian la apertura del Taller de Escritura del maestro Jorge Velasco Mackenzie desde hoy 12 de Agosto (para Avanzados).

Sus relatos son únicos e inigualables; su estilo sentó un precedente en la literatura ecuatoriana desde finales de los setenta, que tuvo muchos imitadores que no consiguieron su efecto: historias sobre la gente, conmovedoras, que no se pueden olvidar. La marginalidad nunca se desnudó de la manera en que lo hizo El rincón de los justos (1983), su novela más leída. Con una amplia trayectoria que abarca todos los géneros literarios, Jorge Velasco Mackenzie, es el escritor guayaquileño más versátil. En 1974 publicó su primer relato, Aeropuerto, en la revista La bufanda del sol. En 1979 aparece Manual de acción imaginaria, su primer libro de poemas, más adelante publicaría otros como Raymundo y la creación del mundo y Algunos tambores suenan así. En 1989 publicó El Ladrón de Levita.

En 1991 aparece, Desde una oscura vigilia, su libro de cuentos más celebrado. En 1996 nos sorprende incursionando en la novela histórica con En nombre de un amor imaginario (1996).

Ha publicado además, las novelas Río de sombras, Tatuaje de náufrago y próximamente Perdido en la grieta.

Al final del taller se seleccionarán los mejores trabajos para un proyecto editorial virtual, con posibilidad de publicación impresa.

HORARIOS

Las sesiones serán de tres horas CADA QUINCE DÍAS. Serán los días viernes de 17h00 a 20h00.

PRINCIPIANTES: 19 de Agosto / 2 y 16 de septiembre / 14 y 28 de Octubre

AVANZADOS: 12 y 26 de Agosto / 9 y 23 de Septiembre / 7 y 21 de Octubre

LUGAR

Mr. Books (Mall de Sol)

VALOR

Un solo pago de $150

PARA INSCRIPCIONES

talleres@casamorada.net

Vía: La Casa Morada

Llega el Quitofest

2011-08-12T14:38:00.002-05:00

Como todos los años, llega el esperado Quitofest que se desarrolla desde hoy viernes 12 hasta mañana sábado 13 de agosto. Estarán presentes 14 bandas nacionales y 5 internacionales que vienen de Estados Unidos, México, Brasil, Colombia y China.

CARTEL OFICIAL

Viernes 12:

12h00 CHERNOBYL (Quito) - DOOM GÓTICO

12h45 REPLIKA (Manta) - HARDCORE METAL

13h30 ONIRICA (Quito) - HEAVY METAL

14h15 BAJO SUEÑOS (Cuenca) - HEAVY METAL

15h00 NOTOKEN (Guayaquil) - HARDCORE PUNK

16h00 CONFRONTO (Brasil) - HARDCORE METAL

17h00 MORTERO (Ambato) - HIP CORE METAL

18h00 COLAPSO (Quito) - DEATH MELÓDICO

19h45 TESTAMENT (USA) - THRASH METAL

Sábado 13:

12h00 LOS TXK (Quito) - ROCKABILLY

12h45 THE FEVER MACHINE (China) - ROCK

13h30 THE CASSETES (Guayaquil) - PUNK

14h15 REPTIL (Colombia) - ELECTROPOP

15h00 CADAVER EXQUISITO (Guayaquil) - POP

15h45 SOBREPESO (Cuenca) - ROCK

16h45 GUARDARRAYA (Quito) - ROCK LATINO

17h45 LOS CHIGUALEROS (Borbón) - SALSA

18h45 GUANACO (Ambato) - HIP HOP

20h00 PANTEÓN ROCOCÓ (México) - SKA

Teatro en la Alianza Francesa de Guayaquil

2011-08-11T16:31:00.004-05:00

Este jueves 11 de Agosto, a las 20h00, se presenta la obra ¨El Lugar donde mueren los Mamíferos¨ en la sede principal de la Alianza Francesa de Guayaquil (Hurtado y José Mascote), del grupo Ubriaco, investigación Teatral.

Bajo la dirección de Víctor Acebedo, la obra adaptada del texto de Jorge Diaz, descubre las ocurridas situaciones de cuatro señoras de sociedad que tienen un instituto de Asistencia Social para pobres: Les toca organizar el congreso mundial de la Miseria, pero resulta que en el mundo la pobreza ya no existe. Las vicisitudes y el azar las llevan a descubrir al que parece ser el último pobre sobre la faz de la tierra, quien salvará la supervivencia del Instituto, aunque sea muerto.

La entrada general tiene un costo de $6, $10 por pareja y $3 estudiantes con carnet, tercera edad y discapacitados.

Noche de Cortos en Casal Català

2011-08-11T16:14:00.007-05:00

El Cine Forum Casal Català de Guayaquil invita a una noche de cortometrajes por motivo del año de la negritud y recordando los 82 años de la Exposición Internacional de Barcelona. El encuentro será este jueves 18 de agosto a las 20h00.

A continuación, la información sobre los dos productos audiovisuales que se exhibirán en su sede, ubicada en Urdesa Central: Mirtos 708 entre Ficus y Guayacanes.

FAO
AÑO: 2010
DURACIÓN: 7 min.
PAÍS: España-Catalunya (filmado en Sudán)
IDIOMA: Sonoro
DIRECTOR: Carolina Alejos, Aitor Echeverria
MÚSICA: Omar Sosa
FOTOGRAFÍA: Carolina Alejos, Aitor Echeverria
REPARTO: Nora Chimapumire
GÉNERO: Videodanza
SINOPSIS: El hambre, la soledad y la voluntad de sobrevivir empujan a Fao en un viaje que la llevará a enfrentarse a todos sus miedos.

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EL PABELLÓN ALEMÁN
AÑO: 2009
DURACIÓN: 14 min.
PAÍS: España (filmado en Catalunya)
IDIOMA: Castellano
DIRECTOR: Juan Millares
MÚSICA: -
FOTOGRAFÍA: Emili Sampietro
REPARTO: -
GÉNERO: Cortometraje documental
SINOPSIS: En 1929 los Reyes de España inauguraron uno de los más relevantes edificios del siglo XX, el Pabellón de Alemania de la Exposición Universal de Barcelona, del arquitecto Mies van der Rohe. Muchos años después, el narrador de esta historia, obsesionado por el Pabellón Alemán, busca en las viejas fotos un misterio oculto, un enigma por resolver, tal vez la posibilidad de un crimen.

MODERADOR: Manuel Alejandro Cruz

La entrada es gratuita.

Proyecto Rio Creativo

2011-04-10T19:54:00.003-05:00

Ahora que la Economía Creativa es parte de las políticas del Ministerio de Cultura de Brasil, todos los esfuerzos se enfocan en estimular la creatividad en todo el país.

La Secretaría de Cultura de Río de Janeiro va a lanzar en mayo el proyecto Rio Creativo (va sin tilde río porque es en portugués) . El plan consiste en crear dos incubadoras, es decir dos empresas madres que acojan a microempresas especializadas en diversas áreas de la creatividad (cine, música, moda, tecnología, diseño, etc). Una de esas incubadoras estará en Rio y la otra en São João de Meriti, en la Baixada Fluminense. Estas empresas madre deberán servir como paraguas a las empresas que están comenzando.

Para este proyecto, la Secretaría va a contar con el apoyo del Instituto Génesis, una incubadora gestada en la Universidad Católica de Río de Janeiro que acoge a microempresas especialmente del área tecnológica.

El objetivo de Rio Creativo es que después de 18 meses de lanzado el proyecto, las microempresas estén listas para enfrentar al mercado, ofrecer sus productos, conseguir inversionistas, realizar alianzas estratégicas. ¨Ahí es cuando va a empezar el trabajo de verdad¨, dice Adriana Rattes, secretaria de Cultura del Estado de Río de Janeiro.

Para tener una idea del auge de la economía creativa en la cidade maravilhosa, este rubro representa el 17,8% del PIB del Estado de Río. Los salarios de estos jóvenes emprendedores oscila entre los 2182 reales (aproximadamente $1300).

Vale recordar que en los años 80, Londres pasó por una fuerte depresión en la industria siderúrgica y al crecer la tasa de desempleo, el ayuntamiento de la ciudad decidió apoyar la creación de microempresas en el área tecnológica. Ahora la Economía Creativa es uno de los mayores rubros de exportación en el Reino Unido.

Al parecer el gobierno de Dilma Rousseff busca estar a la vanguardia en el ámbito artístico-cultural, entendiendo que son los jóvenes en quienes se sostiene el porvenir de Brasil. Sería bueno que el resto de gobiernos de América Latina miren hacia los nuevos emprendedores de sus respectivos países. Los nuevos empresarios exitosos del mundo ya no son de leva y corbata. Basta recordar a vuelo de pájaro, a los dueños de las redes sociales... Seguramente nadie creyó en ellos al inicio y sin embargo el mundo ahora está en vilo de estas nuevas tecnologías.

Hay mucho por trabajar en el ámbito cultural (Y ahora digo Cultura en el sentido amplísimo de la palabra que lo abarca todo). Por lo pronto hay que seguir generando medios, plataformas de creación hasta que los gobiernos entiendan que es ahí donde se gestan las nuevas formas de cultura que van más allá de los museos y bibliotecas.

Comparto el link del que se nutre parte de este post (en portugués).

Brasil crea la Secretaría de Economía Creativa

2011-04-10T19:01:00.004-05:00

Sin duda alguna, Brasil es un país que siempre está a la vanguardia a pesar de los problemas que tiene en diferentes esferas sociales.

En enero de este año, el Ministerio de Cultura de ese país, creó la Secretaría de Economía Creativa que busca potenciar todas las manifestaciones creativas y hacer que éstas se vuelvan rentables.

Normalmente, el arte es visto como algo que no deja rédito y salvo en contadas ocasiones se lo ha mirada como una posibilidad económica factible. Ahora Brasil está viendo que en el ámbito artístico-cultura hay un blanco muy interesante para explotar.

Se define a Economía Creativa al conjunto de habilidades (intelectuales y artísticas) que pueden ser coordinadas para la generación de riquezas y creación de empleos. La expresión surgió en Inglaterra hace 15 años cuando los economistas se dieron cuenta que las actividades culturales eran las que más crecimiento tenían.

Las actividades alrededor de la economía creativa no se limitan únicamente a manifestaciones artísticas tradicionales como la música, el cine y el teatro. También se incluyen actualmente a los creadores de videojuegos, de softwares educativos, diseño, publicidad, moda, entre otros.

Para Walkíria Barbosa, director del Festival de Cine de Río de Janeiro, la iniciativa de crer la secretaría moderniza el concepto de cultura en el país, mirándola como un proceso industrial (claro, guardando las debidas distancias con una fábrica que produce salchichas, por ejemplo). ¨Es un gran paso para la cultura brasilera¨.

Comparto un link de un programa de Globo News donde se habla de este tema (en portugués).

Musique de la France...

2009-11-01T19:48:00.006-05:00

Confieso que la música brasilera es mi fascinación y que me he acostumbrado tanto a su sonoridad y a las voces dulces y cálidas de Caetano, Chico Buarque, Simone, Gal Costa, Adriana Calcanhotto, Djavan, María Rita y demás que escuchar otro tipo de música me cuesta un poco.

Me gusta todo tipo de música, siempre que ésta me diga o me mueva algo, pero la música francesa era para mí algo distante. Más allá de Edith Piaff y Lara Fabian (que no es francesa), mi acercamiento a la música del país galo había sido muy esporádica. Por ahí escuché algunas que me han gustado como Ne Me Quittes Pas (de Jacques Brel que tampoco es francés), Michel Fugain con su Belle Histoire y alguna que otra de Serge Gainsbourg.

La verdad nunca me interesó la música francesa. Su sonoridad me era extraña y hasta distante. Algo que no me sucedía con el cine francés que me apasiona. Es un poco extraño la verdad, que me gustara el cine francés y su música me fuera indiferente. Creo más bien que era cuestión de tiempo. No estaba preparado aun para la música francesa, como todavía no lo estoy para la música alemana o la rusa, por ejemplo.

Ciertas cosas han pasado desde hace varios meses que mi disposición hacia la música francesa cambió y conocí a varios grupos como Noir Désir, Air, y más recientemente Françoise Hardy y Louise Attaque. No me siento capaz de dar una opinión profunda sobre cada uno. Aun me siento novato con la música gala. Sólo puedo decir que me gustan estos grupos y la música de la Hardy. Un poco extraño. Seguramente tiene que ver con los nuevos proyectos de cine que espero concretar... Ojalá... Quizás hasta use música de estos para hacer algo... Por el momento, canciones de Louise Attaque, Hardy y Noir Desir, han servido de inspiración para crear textos, imágenes... Espero más adelante compartir lo que he encontrado sobre estos grupos que a grandes rasgos he podido ver que tienen una historia interesante...

Aquí, las canciones que me han acompañado...

Françoise Hardy - Ma Jeunesse Foute le Camp

Françoise Hardy - Tous les Garçons et les Filles

Françoise Hardy et Bashung - Que Reste-T-Il de Nois Amours

Louise Attaque - Je T'Emmène au Vent

Louise Attaque - Est-Ce Que Tu M'Aimes Encore

Louise Attaque - La Plume

Louise Attaque - Léa

Noir Désir - Lost

Noir Désir - À L'Envers, à L'Endroit

Melodías, historias y aliteraciones de feriado

2009-08-10T18:39:00.036-05:00

En Ecuador tuvimos feriado hasta hoy lunes 10, por conmemorarse el bicentenario del Primer Grito de Independencia (10/Agosto/1809). Hacía tiempo que no gozaba de unas cortas vacaciones para ponerme al día con el cerro de películas y libros que tengo por saborear. Ahora que ya quedan pocas horas para volver a la rutina laboral, me doy cuenta que el tiempo fue corto, que me ha faltado mucho por ver, pero de todas formas, me alegra haber podido ver ciertas películas, que han despertado algunas inquietudes artísticas.

Este feriado indiscutiblemente en lo que se refiere a música fue Drexler. Escuché unas tres o cuatro veces el disco 12 Segundos de Oscuridad, álbum que me parece espectacular con toda aquella onda posmoderna que va desde la angustia del ser, el consumismo y la hibridaciones culturales. De este disco, mis canciones favoritas: La Vida es más Compleja de lo que Parece, Hermana Duda, Disneylandia, La Infidelidad en la Era Informática y Soledad (un dúo espectacular con la maravillosa brasileña María Rita Mariano).

En cuanto a películas, pude ver varias que reseñaré muy brevemente. Siento la necesidad de hacerlo, ya que me han parecido cada una muy diferente en estilo pero con una firma indeleble del director que la realiza. Así por ejemplo, la primera que vi, ¨Historias Mínimas¨ (2002), del argentino Carlos Sorín, que siempre había escuchado y siempre deseé ver, me impactó con la sencillez del argumento y los hermosos paisajes de las pampas argentinas. El pretexto de la historia es el viaje que deben realizar tres personajes a San Julián, en la provincia sureña de Santa Cruz. Un anciano que en sus postrimerías se entera que su perro desaparecido se encuentra en dicha ciudad y decide ir a buscarlo. Un hombre de mediana edad, vendedor, que se dirige a San Julián para llevar una torta como regalo de cumpleaños al hijo de una clienta a la que pretende y una mujer joven, humilde madre de familia, que ha sido seleccionada para participar en un concurso de TV de esa localidad. Los tres personajes se sumergen en ese viaje hacia el sur, donde la carretera y las pampas se vuelven las verdaderas protagonistas. Esta película nos devuelve una cara muy distinta a la Argentina cosmopolita que hemos visto a través de otras cintas o telenovelas. Aquí vemos al argentino de campo, al gaucho, aquel que incluso tiene un acento muy diferente al porteño que siempre hemos identificado con Argentina. Carlos Sorín juega con maestría con la yuxtaposición de las historias que en determinados parecen juntarse, aunque sea por breves segundos.

Sorín, quien al inicio de su carrera audiovisual, se desempeñó principalmente en el campo publicitario, afirma que la idea de ¨Historias Mínimas¨ surgió cuando rodaba un spot para cierta compañía telefónica que se realizó en un pueblo de la Patagonia. De la relación con la gente, Sorín empezó a darle vueltas a una historia que desembocó en estas película donde casi todo el elenco está conformado por gente que nunca antes había actuado.

De la patagonia argentina pasé a la frialdad de un thriller francés: ¨La Cambiadora de Páginas¨ (2006), una película de muy buen ritmo que tiene como tema central la venganza de una chica hacia la mujer que le negó la oportunidad de entrar a estudiar piano. Mélanie, con tan sólo diez años se frustra y decide no volver a tocar piano en su vida. Tiempo después, cuando Mélanie anda por sus veinte, logra trabajar como niñera en casa de Arianne, la famosa concertista que le descalificó para entrar al conservatorio. A partir de ese momento, con una meticulosidad propia de un cineasta con formación musical, nos va mostrando plano por plano, cómo Melanie se convierte en la cambiadora de páginas de las partituras de Arianne, quien siempre destaca que es un trabajo que no cualquiera lo puede hacer. Es entonces cuando se establece entre Mélanie y Arianne una extraña dependencia. Una rara complicidad seguida de un acompañamiento musical que va in crescendo hasta el último plano donde vemos a Mélanie, con una sonrisa entre ingenua y malvada, intuyendo que su plan de venganza ha sido consumado.

El Cuarto del Hijo (La Stanza del Figlio), de Nanni Moretti, es la primera película que veo de este realizador italiano. Siempre la había escuchado. No por gusto fue la ganadora de la Palma de Oro de Cannes en el 2001. Para Moretti, esta ha sido la película en la que más se ha involucrado emocionalmente.

La cinta narra los conflictos existenciales que pasa una familia del norte de Italia luego de la muerte del hijo. Giovanni (Nanni Moretti), psicólogo de profesión, quien pasa la mitad de su vida escuchando los problemas de sus pacientes, enfrentará el golpe de la pérdida de su hijo, Andrea. Nunca dejará de recriminarse el hecho de atender un paciente un día domingo y sacrificar un momento para compartir con su familia y con Andrea.

Giovanni es un hombre que no se inmuta, que no se involucra y la muerte del hijo empieza a involucrarlo con sus pacientes, lo que empieza a hacerle daño y desemboca en su decisión de alejarse de la profesión por tiempo indefinido, incluso acariciando la idea de no volver a ejercer más. No quiere escudriñar más en el alma humana, tiene sufiente ya con la suya y con la de su mujer e hija que comparten la terrible pérdida de Andrea.

La existencia de una novia en la vida de Andrea, Arianna, inquieta a Paola. Como madre, quiere conocer más sobre lo que rodeaba a su hijo y está segura que conocer a Arianna, le podría ayudar en algo a calmar su dolor, lo que efectivamente sucede. Era como si tenerla, conversar con ella, le permitiera a la familia ver una cara que no conocían de Andrea.

La escena que más me impacto fue la final, donde los tres personajes (Padre, madre, hija) toman caminos diferentes en una playa, pero luego todos terminan dirigiéndose al mar. Una metáfora de cómo cada uno afronta la pérdida, pero teniendo claro que es algo que al final los tres deben superar. Se trata de una herida imborrable que tratarán de aprender a sobrellevar. Una historia con una nostalgia italiana perenne y una música estremecedora de Nicola Piovani. ¡Es Una película obligatoria para ver!

Después de este drama italiano, pasé a la ciencia ficción de la mano de François Truffaut: Fahrenheit 541 (1966), adaptación de la novela homónima de Ray Bradbury. Sobre este autor sólo conozco algunos de sus cuentos, pero mi acercamiento hacia esta novela de ciencia ficción que tanto prestigio le ha rendido a nivel mundial, debo reconocer que no sabía nada. Así que me sumergí en la película dejándome llevar por Truffaut que en esta cinta deja su amada París de ¨Los Cuatrocientos Golpes¨ para entrar en los vericuetos de un mundo apocalíptico en el que los libros están prohibidos y deben ser reducidos a cenizas, por el ¨bienestar¨ de la sociedad.

Fahrenheit 451 cuenta la historia de Guy Montag un bombero cuya misión es quemar libros. En este mundo futurista los bomberos ya no deben apagar incendios, pues las casas son ¨incombustibles¨, sino que deben exterminar cualquier tipo de libro ya que creen que la lectura causa infelicidad. Montag parece estar a gusto con su trabajo y ni siquiera lo cuestiona. Tiene una matrimonio feliz con Linda (Julia Christie), pero todo comienza a cambiar cuando conoce a Clarisse (interpretada también por Julie Christie), quien empieza a hacerle preguntas, algo que esa sociedad apocalíptica ha perdido el hábito de hacer desde hace mucho tiempo. Es entonces cuando Montag decide apoderarse de ciertos libros dentro de los muchos que incinera con su equipo de trabajo, y empieza a tomar conciencia del mundo que le rodea.

Como de costumbre, Truffaut no me decepcionó. De hecho si me motivé a ver esta película fue porque era de ciencia ficción dirigida por este magnífico cineasta francés. Es otra película imperdible.

Por último, vi ¨Sinécdoque Nueva York¨, de Charlie Kaufman. Para quien no lo ubica, él es el guionista de ¨Being John Malkovich¨, ¨Adaptation¨ y ¨Eternal Sunshine of Spotless Mind¨. Por ahí, ya se puede intuir qué clase de historia puede ser Sinécdoque. Pues efectivamente, es una historia nada tradicional, que como en sus anteriores trabajos (este es debut como director), explora el mundo de la escritura como arte, la ruptura de tiempo y espacio, que en cuestión de segundos puede dejar perplejo al espectador más atento.

En esta película, Kaufman nos presenta a Caden (Philip Seymour Goffman), un director de teatro que termina separándose de su esposa e hija cuando la primera decide irse por trabajo a Alemania. Mientras Caden vive como hombre separado, empieza a planear una megaobra, ambiciosa que pretende reproducir a toda Nueva York, con la ayuda de un fondo económico que le ha otorgado un premio para que produzca la obra que quiera.

Luego las cosas comienzan a salírsele de las manos cuando su vida empieza a verse más involucrada de lo previsto. Es algo que no puede evitar: Debe poner en escena lo que pasa en su vida diaria, con sus conflictos y frustraciones y en ese afán de retratar su vida, comienza a dar mil vueltas que sólo acaban por complicar las situaciones dramáticas. Los actores de la obra se confunden, aparecen nuevos personajes, otros se van al ver que pasan año y no se monta nada específicamente, otros llegan y hay cambios. En fin, a grandes rasgos es una metáfora muy interesante de lo que realmente sucede en el mundo teatral cuando se empieza a crear una obra. El director y los actores involucran mucho de sus emociones a los personajes y llega un punto en que ya no se puede saber qué diferencia al actor del personaje.

Confieso que la película me dejó cabos sueltos y en algunos momentos me perdí en el relato. No es una película de fácil digestión. Definitivamente tengo que verla otra vez o quizás varias veces. Es del tipo de cintas que me gustan, que debes observarlas en varias ocasiones y en cada una, te dará una nueva lectura. Espero en el futuro, hacer un análisis más completo de esta película que toca al mundo del teatro, un universo que personalmente, me fascina.

Así que como balance, puedo decir que el feriado fue positivo. Como última cosa, puedo decir que también me he regocijado mucho en la lectura de ¨Tokyo Blues, Norwegian Wood¨, del célebre Haruki Murakami. Es una novela encantadora ambientada en la Tokyo de los años sesenta. Voy por algo más de la mitad, pero su lectura me ha fascinado. Leo con urgencia cada página de una historia de amor juvenil escrita con el mejor sabor japonés y que no guarda ninguna relación con la típica historia de amor entre adolescente. Esta historia trasciende y transgrede todo eso. Se ha anunciado la adaptación al cine de este libro para el 2010.

Extraño Pedido de Cineasta Mexicano

2009-08-02T17:57:00.003-05:00

Esta información viene de ABC Guionistas. Un cineasta mexicano tiene un presupuesto de tres millones de dólares para su próxima película. El problema es que no tiene guión y ha pedido al mundillo del cine en el país azteca que le manden sus guiones para evaluarlos y decidir cuál será su nueva película.

El cineasta en cuestión es nada más y nada menos Alan Jonsson Gavica, quien fue ovacionado en el exterior por su ópera prima 'Morenita', ganadora del Colón de Oro, en el Festival de Huelva 2008. Entre las condiciones o requisitos que ha puesto el director mexicano están excluidas las película de comedia o de terror.

La segunda parte del pedido indica que el guión debe ser tan ¨brillante¨ y ¨extraordinario¨, como el de Memento, Crash, Traffic o Expreso de Medianoche. En vista del fuerte compromiso que esto podría acarrear, el directo luego dice estar abierto a nuevas propuestas pero siempre excluyendo la comedia y el terror.

A cambio de todo esto, el director promete que le pagará muy bien al autor del guión elegido. Superior a la establecida por el cine independiente americano.

Si a alguien le interesa esta convocatoria particular, puede enviar su fantástico guión a: guionextraordinario@gmail.com. La fecha de plazo es hasta el 15 de agosto.

Walter Cronkite y su legado

2009-07-18T23:08:00.005-05:00

Normalmente no creo en la coincidencias. Creo que siempre uno hace algo o conoce a alguien que te hace dar cuenta de la relación concatenada que todas las cosas tienen en el Universo. Es uno de los grandes principios del Budismo y el de muchos otros seres que no están relacionados con esta religión.

Ayer por la noche, mientras leía un interesante capítulo del Libroo ¨Los Contenidos de los Medios de Comunicación¨, me llamó la atención cómo se alababa el trabajo periodístico realizado por Walther Cronkite durante más de treinta años. Paralelamente a esta interesante lectura, escuché en Jornal Nacional de TV Globo (eventualmente suelo ver television mientras leo, aunque le doy más énfasis a la lectura), la noticia del deceso de Walther Cronkite. Tuve que volver páginas atrás para corroborar que se trataba del mismo individuo y no pude dejar de sentir extrañeza al ver ¨la coincidencia¨. En ese momento, abandoné la lectura para buscar en Internet información sobre Walter Cronkite, quien desde 1967 hasta su retiro del mundo periodístico en 1981, condujo en CBS el noticiero de la tarde.

Para muchos, su nombre puede sonar completamente ajeno, pero si nos remitimos a aquellas imágenes en blanco y negro, donde un periodista con mucho pesar anuncia la trágica muerte de John F. Kennedy en 1963, seguramente lo recordaremos inmediatamente. A partir de ahora ya sabrán que ese fue una de las tantas coberturas que realizó en vida Walter Cronkite, maestro legendario del periodismo en EE.UU, que también informó sobre la muerte de Martin Luther King, la llegada del hombre a Luna y la Guerra de Vietman.

Nacido en 1916 en Missouri, Cronkite llegó a estudiar en la Universidad de Austin, pero no concluyó sus estudios, ya que comenzó su carrera como reportero del Houston Post. Luego se

unió a la United Press International, desempeñándose como corresponsal de Guerra en Europa, durante la Segunda Guerra Mundial. Ingresó en 1950 a la compañía de televisión a CBS como periodista y convirtió en Jefe de Redacción y Presentador del noticiero CBS Evening News desde 1962, hasta el 3 de marzo de 1981, cuando anunció su retiro.

¨And that's the way it is¨ (¨Así son las cosas¨) la frase que inmortalizó Walter Cronkite durante sus 19 años al frente del informativo más importante de la televisión norteamericana, resume sobre todo el compromiso de un hombre que ha dedicado toda su vida profesional a servir a la opinión pública de su país.

Cronkite falleció ayer, viernes 17, a las 19.42, tras un largo problema cardiovascular, producto de su avanzada edad (92 años), pero aunque su voz haya sido opacada por su deceso, es innegable el legado que ha dejado para las actuales y futures generaciones de periodistas que intentan mostrar un trabajo serio, moral y sobre todo social, que no debe callarse ante determinadas influencias políticas que siempre han intentado ensuciar una labor tan digna y tan difícil como la de informar a la ciudadanía, con la verdad sin caer en amarillismos ni intereses económicos.

Inicia Cero Latitud en Guayaquil!

2009-07-07T19:29:00.010-05:00

Mañana miércoles 8, el MAAC Cine da la bienvenida al Festival Cero Latitud que se extenderá en Guayaquil hasta 15 de julio. Como función inaugural estará la cinta peruana ¨Dioses¨, de Josué Méndez, conocido en el ambiente cinematográfico por su ópera prima ¨Días de Santiago¨. La entrada, por ser el día de inauguración, será libre. El costo para las demás funciones será de $3 para adultos y $2 para estudiantes y personas de tercera edad.
A continuación el cronograma vigente para Guayaquil:

Miércoles 8 (Inauguración, entrada gratuita)
20h00 – Dioses (Josué Méndez / Perú / 91 minutos / 2008
Diego está enamorado de su hermana Andrea. Agustín, el padre de ambos, ha traído a casa a Elisa, su nueva novia, veinte años menor que él. Una familia atrapada en los rígidos mecanismos sociales de la clase alta peruana. Una crónica sobre la decadencia, la hipocresía y el conformismo en un medio frívolo y hermético.

Jueves 9
16h30 – Tony Manero (Pablo Larraín / Chile y Brasil / 98 minutos / 2008)
El sueño de Raúl Peralta de ser reconocido parece cercano cuando se anuncia un concurso de imitadores de “Tony Manero”, el personaje de Travolta en “Saturday night fever”, pero comete una serie de crímenes y robos mientras a sus compañeros de baile los persigue la policía secreta del gobierno.

19h10 – El arriero (Guillermo Calle / Colombia y España / 93 minutos / 2009)
Ancizar ama dos mujeres: su esposa Virgina y Lucía, a quien conoció en Madrid. Se muda a España para poder quedarse con ambas. Al querer regresar a Colombia las relaciones se descubren, ellas lo abandonan y le quitan el dinero. En venganza, Ancizar manda a matar a Virginia.

Viernes 10
16h30 – Purgatorio (Roberto Rochín / México / 90 minutos / 2008)
Historias que se entrecruzan en el México de los años 50: un hombre que encarga a su familia con su padre para ir al norte a buscar fortuna; una prostituta y un sepulturero se encuentran en la noche; un viejo hacendado arrepentido cuando su esposa por conveniencia se va. La vida en variadas escenas.

19h10 – Sleep dealer (Alex Rivera / México y Estados Unidos / 90 minutos / 2008)
El mundo se divide por fronteras y se conecta a través de una red digital. Memo vive con su familia en Santa Ana del Río, comunidad aislada que cuenta con una presa puntera y militar que controla el suministro de agua. Sueña con encontrar trabajo en las fábricas de tecnología puntera de las grandes ciudades del norte.

Domingo 12
16h30 – El derecho a la memoria* (Víctor Arregui / Ecuador/ 60 minutos / 2008)
Un homenaje a las víctimas y a sus familiares que sufrieron el abuso del Estado. Testimonios que reflejan casos en los que la justicia tardó demasiado. Humillaciones, abusos, tortura y hasta la muerte pudieron haber sido evitados si se hubieran seguido las instancias legales, ignoradas por la necesidad de encontrar un culpable.

19h10 – Mami te amo* (Elisa Eliash / Chile / 78 minutos / 2008)
Una madre al borde de la ceguera abandona a su pequeña hija todos los días. La niña solo quiere agradar a su madre por lo que desarrolla un macabro juego para parecerse a ella. Hasta que un día, el plan parece haber dado resultado más allá de lo esperado.

21h30 – El regalo de la Pachamama (Toshifumi Matushita / Bolivia y Japón / 104 minutos / 2008)
Kunturi acompaña a su padre en una travesía por Bolivia, cambiando sal por otros productos. Cuando el viaje se acerca al final, conoce a una hermosa chica y ambos sienten un remezón en sus corazones mientras comparten un sueño. Al final descubrirá lo que su padre le quiso decir con “El regalo de la Pachamama”.

Lunes 13
16h30 – Cordero de Dios (Lucía Cedrón / Argentina y Francia / 2008 / 90 minutos)
Guillermina debe negociar el rescate de su abuelo secuestrado. Pide ayuda a Teresa, su madre, que vive exiliada en Francia. A raíz del hecho, ambas reviven dolorosos recuerdos de cuando Teresa fue secuestrada. Poco a poco Guillermina descubrirá la intervención de su abuelo en la liberación de su madre de 1978.

19h10 – Otro tipo de música (José Gutiérrez Razura / México / 86 minutos / 2008)
Jorge es un melómano empedernido a punto de concluir sus estudios universitarios. Joaquín busca afanosamente a una olvidada cantante de música ranchera. Ambos sienten algo por Adriana, hasta que Jorge conoce a Karina. Las dos parejas emprenderán un viaje que cambiará sus vidas.

Martes 14
16h30 – Por sus propios ojos (Liliana Paolinelli / Argentina / 2007 / 82 minutos)
Una estudiante de cine hace su tesis sobre las mujeres de los presos. Conoce a una mujer que, a cambio de una entrevista, quiere que visite a su hijo preso. La muchacha intenta esquivar el chantaje; finalmente, entra en la cárcel y sus mundos chocan.

19h10 – CineconSentido (Juan Pablo Robayo / Ecuador / 2009 / 71 minutos)
Gracias a los Ministerios de Cultura y de Justicia y Derechos Humanos, los internos de seis Centros de Privación de libertad de Quito, Ambato, Loja y Quevedo, organizaron una muestra cinematográfica de acuerdo a los temas de su interés y produjeron y realizaron 18 cortometrajes.

21h30 – Otro tipo de música (José Gutiérrez Razura / México / 86 minutos / 2008)
Jorge es un melómano empedernido a punto de concluir sus estudios universitarios. Joaquín busca afanosamente a una olvidada cantante de música ranchera. Ambos sienten algo por Adriana, hasta que Jorge conoce a Karina. Las dos parejas emprenderán un viaje que cambiará sus vidas.

Miércoles 15
16h30 – El regalo de la Pachamama (Toshifumi Matushita / Bolivia y Japón / 104 minutos / 2008)
Kunturi acompaña a su padre en una travesía por Bolivia, cambiando sal por otros productos. Cuando el viaje se acerca al final, conoce a una hermosa chica y ambos sienten un remezón en sus corazones mientras comparten un sueño. Al final descubrirá lo que su padre le quiso decir con “El regalo de la Pachamama”.

19h10 – Corazón del tiempo (Alberto Cortés / México / 90 minutos / 2008)
Sonia se enamora del guerrillero Julio y pone en peligro la seguridad de su comunidad y de los insurgentes zapatistas .Su hermana menor y su abuela descifran la realidad en un espejo. En la decisión de Sonia se esconde una prueba para las voluntades y las tradiciones.

El Teatro se toma la pantalla de TV Globo!

2009-06-11T15:07:00.012-05:00

La Globo de Brasil, dentro de poco estrenará en el horario estelar, su más reciente miniserie, Som e Fúria (Sonido y Furia), dirigida por el galardonado Fernando Meireles (Cidade de Deus, The Constant Gardener, Blindness).
La miniserie, que es una adaptación de la serie canadiense ¨Sling and Narrows¨ retratará la vida de los integrantes de dos grupos de teatro, uno exitoso, el otro... no tanto. En esta historia, seremos testigos de los enredos y problemas que se crean entre actores, directores y los patrocinadores. Para los que conocemos algo del mundo teatral, las situaciones dramáticas seguramente nos serán muy familiares.
Habrá que seguirle la pista a esta adaptación de TV Globo. Por lo pronto, saber que cuenta con un elenco de primera y con Fernando Meireles a la cabeza, ya podría decirse que será un suceso, pero aun nada está dicho.
Vean la primera promo expectativa de esta miniserie que se estrena en Brasil en el mes de julio.

EDOC 8

2009-05-11T15:57:00.000-05:00

Como ya se ha vuelto una buena costumbre, desde hace ocho años, el EDOC (Encuentros del Otro Cine) llega a Guayaquil desde este lunes 11 al domingo 24 de mayo.

Este año, se exhibirán aproximadamente 90 documentales y se contará con la presencia de algunos de sus directores, como Ross Mcelwee, Jay Rosenblatt, Joe Berlinger, Christian Liffers, Eugenio Polgovsky, Natalia Almada, Albert Solé y Gonzalo Arijón.

La función inaugural tendrá lugar en el MAAC Cine, el día 11, a las 20.00, con la proyección del documental Crudo, del cineasta Joe Berlinger, que aborda la el problema de la explotación petrolera inclemente de parte de Texaco en el oriente ecuatoriano.

Las sedes del festival serán el MAAC Cine (que afortunadamente ahora está en manos de OchoyMedio) y la Alianza Francesa, que presentarán películas de manera simultánea.

En esta edición, el EDOC contará con catorce documentales nacionales que como ya es costumbre se presentarán bajo la sección Cómo nos ven, cómo nos vemos.

De la misma manera que se ha hecho en las ediciones anteriores, el EDOC pone a disposición el uso de ¨pasaportes¨, que permiten acceder a todas las películas del festival por el valor de $20 para adultos y $10, para estudiantes.

El costo de las entradas en la Alianza Francesa será de $3 para adultos y $1.50 para estudiantes, tercera edad y discapacitados, de lunes a miércoles. De jueves a domingo, será $4 para adultos y $2 para estudiantes, tercera edad y discapacitados.

Para mayor información sobre los horarios de exhibición de los documentales en Guayaquil, visiten la página del EDOC.

El Regreso de una Verdadera Sala de Cine-Arte

2009-05-07T12:16:00.003-05:00

Luego del manoseo del que fue víctima la administración MAAC Cine durante todo el 2008, el OchoyMedio retoma su compromiso de trabajo después de una serie de tragicómicas negociaciones con el Banco Central.

Es así como ahora volveremos a disfrutar en el MAAC Cine del ¨Encuentros del Otro Cine¨ (EDOC), del Festival Eurocine y de su variedad exhibición de filmes de cine arte y estrenos nacionales.

Aunque ya hubo una pre-inauguración el jueves anterior, esta noche a las 20.00, se realizará la inauguración oficial con el pre-estreno del documental ¨Cuba, el valor de una Utopía¨, de Yanara Guayasamín.

El MAAC Cine tendrá también dos estrenos de películas nacionales en esta semana de inauguración: Impulso de Mateo Herrera, mañana viernes 8 y Black Mama, de Miguel Alvear y Patricio Andrade, el sábado 9 de mayo. Ambas funciones a las 20.00.

En la proyección de los tres estrenos (Cuba, Impulso y Black Mama), se contará con la presencia de sus realizadores, quienes compartirán su experiencia con el público presente.

Por semana de inauguración, todas estas funciones serán gratuitas.

Siempre es una alegría contar con una sala de cine-arte en Guayaquil, algo que se había visto malogrado con el pase de diversas manos que tuvo el MAAC durante el año pasado. Finalmente vemos que el OchoyMedio regresa con fuerza a Guayaquil y espero que siga así, demostrando la calidad y seriedad que los ha caracterizado. Que no se les pegue las mañas de las administraciones anteriores...

Amor con Sabor Oriental

2009-03-16T21:24:00.011-05:00

Escalera al Cielo (2004)

Con el ritmo acelerado que se vive en la posmodernidad, donde tenemos alcance a prácticamente todo, sin importar el lugar de origen, he encontrado en Internet centenares de páginas que hablan de una curiosa telenovela con una temática rosa (al igual que un gran número de historias escritas Latinoamérica), pero con una variante que reafirma aun más estos tiempos donde todo se recicla: La telenovela es de origen coreano.

Escalera al Cielo, producida por la SBS en el año 2004, obtuvo los índices de audiencia más altos en Corea y ya ha sido exhibida en varios países de Asia, en donde contó con un éxito rotundo. Tan fuerte ha sido el impacto que recientemente Telemundo firmó un convenio con SBS para su difusión en América Latina, así como también la de otras producciones dramáticas de esa emisora coreana.

Escalera al Cielo cuenta la historia de Song-Yuh y Jung-Suh, dos jóvenes que se enamoran desde la infancia. Por cosas de la vida, el padre de Jung-Suh contrae matrimonio con la reconocida modelo y actriz Tae Mira, una mujer ambiciosa, quien llega a su casa en compañía de sus dos hijos: YuRi y Tae Hwa. YuRi, heredera de la codicia de su madre, verá a Jung-Suh como una rival, sobre todo cuando se enamora también de Song-Yuh. El ambiente se torna hostil para Jung-Suh mientras su gran amor es enviado a estudiar al extranjero. Su único amigo es el rebelde Tai Wa, que empieza a enamorarse de ella. Años después, justamente al regreso de Song-Yuh, la bella Jung-Suh es víctima de la crueldad de YuRi, quien la atropella y luego cambia su identidad con una indigente en un hospital. Jung-Suh ha perdido la memoria e inicia una nueva vida con Tae Hwa.

Hasta aquí, todo un novelón digno de un folletín mexicano o venezolano, pero hay algunas diferencias que hacen de Escalera al Cielo una telenovela rosa un tanto diferente.

La primera que habría que destacar es la actuación. Nada de muecas, cejas alzadas, risas falsas propias de una sobreactuación que resultaría tan irritante. Los diálogos son creíbles y el visual de los personajes se ve natural, real. Mira, la gran villana de la historia, no irradia aquella belleza fatal y tan artificial propia de las madrastras malvadas de las novelas mexicanas o venezolanas (creo que es innecesario dar ejemplos). Lo mismo sucede con Yu Rí, la pequeña antagonista, quien está más cercana al visual de las ejecutivas taimadas y disimuladas que se ven en las películas asiáticas.

La segunda diferencia es la duración. Escalera al Cielo cuenta sólo con 20 capítulos. La estructura narrativa de la telenovela está tan bien armada que hay una permanente tensión dramática en cada capítulo. No sucede lo que ya se ha vuelto común en las telenovelas de Televisa o Telemundo, que en determinados capítulos no sucede absolutamente nada!!! En esta historia, perderse un episodio, realmente es perderse mucho...

Asimismo, esta novela mantiene una sola historia central. No vemos una ramificación de subtramas que muchas veces difuminan el argumento principal y le restan fuerza a la novela.

Vemos también una novela con una fotografía impecable. Su color nos recuerda un poco a la iluminación de las telenovelas de Globo (Brasil). La puesta de cámara se permite también salir un poco del trípode y realizar acercamientos rápidos, cambios de plano bruscos, con la intención de ser fiel a la tensión vivida por los personajes.

La banda sonora es otro acierto. Nada que ver con aquellas melodías cansonas o con un falso suspenso, tan común en la novela rosa cliché.

Escalera al Cielo tomó el modelo pop, romanticón de los folletines latinos y le dio un nuevo giro, mucho más coherente con los momentos claves de la historia. La música de esta novela aporta muchísimo a la tensión.

Sin duda alguna, Corea tomó el arquetipo de la novela rosa pero le ha aportado elementos interesantes que han enriquecido el formato. Ya era hora de que un estilo que había sido tan manoseado durante años, sin ningún cambio, encontrara una nueva vía por dónde continuar. A lo mejor el futuro de este tipo de historia sea la brevedad. 20 a 25 capítulos resultan suficientes para explicar y conmover a la audiencia con una trama de amor imposible, de obstáculos con héroes y villanos colocados armónicamente en una novela con música conmovedora.

El continente asiático, que desde hace varios años rinde culto a los culebrones mexicanos, en especial los de la decadente Thalía, ha digerido este tipo de historia y las ha devuelto con un nuevo empaque, mucho más interesante y con un futuro esperanzador.

Escalera al Cielo no es la mejor telenovela de los últimos tiempos, pero es la prueba de que las fusiones son el futuro no sólo para las telenovelas, sino para las expresiones artísticas en general. Guardando las respectivas diferencias, el Bossa Nova, tan estudiado, apreciado y conocido a nivel mundial, surgió de la fusión del jazz con los ritmos característicos del Brasil como la samba. Las mezclas, siempre que se realicen de manera inteligente, darán buenos resultados. Telemundo y Televisa aun tienen que aprender que no sólo basta con refreír historias originales buenas. No sólo con un elenco de estrellas de diferentes nacionalidades se arma una historia atractiva.. Si se les hace tan difícil, miren entonces a Corea, país con una muy reciente industria telenovelera y que ya está dando de qué hablar...

Festival de Cine Argentino

2008-09-23T19:27:00.001-05:00

Así como se ha venido realizando desde hace varios años atrás, el Festival de Cine Argentino marca presencia en Guayaquil, desde este viernes 19 de septiembre y que se extenderá hasta el viernes 25 de septiembre.

Las películas que se encuentran en este festival son:

LAS VIDAS POSIBLES
(Argentina, 2007, 80 minutos) Dirigida por Sandra Gugliotta. Protagonizada por Germán Palacios, Natalia Oreiro. Presentada gracias a Importadora El Rosado. Formato 35 mm. Recomendada para mayores de 15 años.
Una mujer recorre miles de kilómetros para desentrañar el misterio que envuelve la repentina desaparición de su marido. Lo que Carla encuentra desafía toda lógica. Pone a prueba no sólo su amor, sino también toda la historia de su matrimonio.
SÁBADO 20: SUPERCINES LOS CEIBOS Y SAN MARINO

EL RESULTADO DEL AMOR
(Argentina, 2007, 94 minutos) Dirigida por Eliseo Subiela. Protagonizada por Romina Ricci, Sofía Gala. Presentada gracias a Importadora El Rosado. Formato 35 mm. Recomendada para mayores de 15 años.
Mabel trabaja alternando la animación de fiestas infantiles con la prostitución. Conoce a Martín un abogado que se ha separado de su esposa. Se atraen mutuamente y terminan enamorándose. Al poco tiempo Mabel descubre que es portadora del virus VIH.
VIERNES 19: SUPERCINES LOS CEIBOS Y SAN MARINO
MARTES 23: SUPERCINES ENTRE RÍOS Y SUR

¿DE QUIEN ES EL PORTALIGAS?
(Argentina, 2007, 107 minutos) Dirigida por Fito Páez. Protagonizada por Romina Ricci, Julieta Cardinali, Leonora Balcarce. Presentada gracias a Importadora El Rosado. Formato 35 mm. Recomendada para mayores de 15 años.
Loli, Patty y Coca son tres veinteañeras rosarinas de los 80 dispuestas a atravesar los avatares de la amistad, pero sobre todo a afrontar el paso del tiempo.
LUNES 22: SUPERCINES LOS CEIBOS Y SAN MARINO

EL GIGANTE DE VALDES
(Argentina, 2007, 114 minutos) Dirigida por Alex Tossenberg. Protagonizada por Federico D`Elía, Alfredo Casero. Presentada gracias a Importadora El Rosado. Formato 35 mm. Recomendada para mayores de 4 años.
Tomás es enviado por una multinacional a la península de Valdés para instalar un megaemprendimiento turístico que perjudicará tanto la economía como la ecología regional. Todo cambia al llegar al paradisíaco lugar y comenzar a relacionarse con los locales.
MIÉRCOLES 24: SUPERCINES LOS CEIBOS Y SAN MARINO

UNA NOVIA ERRANTE
(Argentina, 2007, 90 minutos) Dirigida por Ana Katz. Protagonizada por Ana Katz, Daniel Hendler. Presentada gracias a Importadora El Rosado. Formato 35 mm. Recomendada para mayores de 15 años.
Inés y su novio tienen una agria discusión mientras viajan en un autobús de larga distancia. El autobús para, Inés desciende con su pesada bolsa al hombro y se da cuenta de que su novio no la sigue. Inés decide quedarse para disfrutar de esas vacaciones románticas, en soledad.
MIÉRCOLES 24: SUPERCINES ENTRE RÍOS Y SUR
DOMINGO 21: SUPERCINES LOS CEIBOS Y SAN MARINO

YO SOY SOLA
(Argentina, 2007, 101 mintuos) Dirigida por Tatiana Mereñuk. Protagonizada por Moro Angheleri, Eugenia Tobal. Presentada gracias a Importadora El Rosado. Formato 35 mm. Recomendada para mayores de 15 años.
Cuatro mujeres en busca de la felicidad, una noción que varias veces se les escapa de las manos. Se presenta como una comedia dramática sobre la dificultad de hombres y mujeres de hallar la estabilidad amorosa en los tiempos que corren.
LUNES 22: SUPERCINES ENTRE RÍOS Y SUR
JUEVES 25: SUPERCINES LOS CEIBOS Y SAN MARINO

VISITANTE DE INVIERNO
(Argentina, 2007, 95 minutos) Dirigida por Sergio Esquenazi. Protagonizada por Santiago Pedrero, Sandra Ballesteros, Catalina Artusi. Presentada gracias a Importadora El Rosado. Formato 35 mm. Recomendada para mayores de 15 años..
La historia de Ariel, un joven de veinte años, a quien luego de un trastorno psicológico, se le recomienda hacer reposo en un lugar tranquilo y apacible. Allí, poco a poco, Ariel descubrirá que en una casa cercana a la suya entran niños, los cuales no vuelven a salir jamás.
JUEVES 25: SUPERCINES ENTRE RÍOS Y SUR.

XXY
(Argentina, 2007, 90 mintos) Dirigida por Lucía Puenzo. Protagonizada por Ricardo Darín, Inés Efron. Presentada gracias a Importadora El Rosado. Formato 35 mm. Recomendada para mayores de 15 años.
Alex es una adolescente de 13 años que esconde un secreto. Poco tiempo después de nacer, Kraken y Suli, sus padres, decidieron dejar Buenos Aires para instalarse en una cabaña de madera aislada del mundo, hasta decidir qué hacer con Alex. Ese día llegó.
DOMINGO 21: SUPERCINES ENTRE RÍOS Y SUR

Termina el Festival Internacional de Artes Escénicas de Sarao

2008-09-22T23:30:00.003-05:00

El domingo 14 pasado, concluyó el Festival Internacional de Artes Escénicas que durante 11 años consecutivos ha venido realizando el Centro Cultural Sarao.

En esta edición se pusieron en evidencia las diferentes teatralidades de los grupos que iban desde un teatro más lírico como Gatomaquia a uno de cabaret como Sara Lint, pasando por trabajos gestuales como el de Plush, entre otros.
La calidad de las obras estuvo a la altura. Los paneles de desmontaje en donde se hacía un análisis con el director y actores de la obra de la noche anterior, fueron interesantes para los estudiantes de teatro o espectadores afines. También fue muy interesante la conferencia sobre la crítica teatral que dictó el cubano Jorge Gómez Triana, así como la conferencia en la que el crítico, analizaba el trabajo del actor.
Vale destacar también los dos talleres que estuvieron presentes en el festival: Aproximación Psicoanalítica al Teatro, con Gustavo Geirola y el Taller de Dramaturgia con Arístides Vargas. Fueron talleres en los que se proponía mostrar el interior del universo teatral más allá de la puesta en escena durante una función. Aplaudo la labor de Sarao y sus gestores Lucho Mueckay y Jorge Parra, quienes fueron los pioneros de la onda festivalera de teatro en Guayaquil, una ciudad en la que antes un festival de teatro era algo difícil de encontrar.
Espero que el próximo año también se pueda gozar de un festival con diferentes teatralidades y que la prensa siga apoyando en la difusión de estos encuentros, pero que lo hagan de una manera más constante. Las críticas a las obras no siempre salieron a tiempo…
Pongo a continuación las obras que más me impactaron dentro de Festival.
1. La Omisión de la Familia Coleman: Una obra que inicia con un aparente conflicto cotidiano de madre e hijos, que desemboca en toda una serie de problemas de una familia disfuncional. La actuación de todo el elenco estuvo a la altura, pero debo resaltar el trabajo de los actores Miriam Odorico y Lautaro Perotti, cuyos personajes son el pilar de esta obra.
2. El Florido Pensil: El enfoque que se le da a la época franquista desde la mirada de unos niños estudiantes de un pueblo vasco, enriquece la historia y la muestra al espectador con mucho humor. Una muy buena puesta en escena y a pesar de la extension de la obra, la estructura sobre la que está concebida, mantiene siempre a la expectative sobre lo que puede suceder en la próxima escena.
3. Flores Arrancadas de la Niebla: Una obra que habla del exilio y de los recuerdos. Además de un texto impecable y una puesta en escena minimalista, las actuaciones de Ángeles Rodríguez y Charo Sabio, fueron insuperables.
4. Gatomaquia: A partir del texto lírico homónimo de Lope de Vega se erige una obra en la que se hace un buen uso de los recursos multimediales. Lograr transformar un texto lírico del siglo XVI en una obra con tanta vitalidad y juego de imágenes fue un logro y una gran obra de cierre para el Festival de Sarao.
5. Sara Lint: Aunque no recibió muy buenas críticas, destaco el trabajo de Elena Vargas y su deseo de seguir explorando el mundo del teatro-cabaret, algo nunca visto en Ecuador. La obra tiene momentos de brillantez y se explora el mundo no conocida de una dama de cabaret.
Ahora no queda más que esperar la 12. Edición del festival de Sarao, que espero que esté tan variada como la de este año.

Recuerdos de Sara Lint

2008-09-19T00:03:00.003-05:00

Este sábado 13 de septiembre, como penúltima presentación del Festival de Internacional de Artes Escénicas de Sarao, se dio cita Elena Vargas con su obra “Recuerdos de Sara Lint”.
Con un estilo de teatro cabaret, Elena Vargas fue transformando poco a poco a este proyecto de sus estudios de jazz en una obra de teatro, de la mano del texto escrito por Arístides Vargas, quien dio vida y rasgos definidos al personaje de Sara Lint, personaje que en esta obra se luce como una anti-diva, que hace confesiones de su vida detrás del mundo del cabaret.
El proyecto surgió de Elena Vargas en el último año de sus estudios de Jazz cuando se especializó en el género Cabaret. Para la realización de este proyecto, tomó varias canciones de los musicales “Cabaret” y “Chicago” y luego pidió a Arístides Vargas que se encargara de los textos que permitieran hilar los números musicales. Sin embargo, la fuerza del texto, poco a poco, fue convirtiendo a este proyecto en una obra de teatro, que entre encuentros y adioses a corto plazo, ya lleva más de un año con el formato que se vio el sábado 13 en Sarao.
A pesar de la buena escenografía de la obra y de los intervenciones musicales, a momentos se cae en un linealidad que vuelve un poco predecible la obra. Contrastaban los elementos minimalistas que usaba constantemente Sara Lint como los muñecos en representación de hombres, la vajilla, las legumbres y demás, con objetos de mayores proporciones como los cuadros, la aspiradora, la cama, cuya ausencia no habría afectado en nada al desarrollo de la obra y quizás la hubieran engrandecido. El texto que es de carácter intimista de la vida de Sara Lint, contrasta y se dispersa con la escenografía abundante, lo que a momentos da al espectador la sensación de vacío dentro de la obra.
La actuación de Elena Vargas, a pesar de ser buena, se podía haber potencializado más al igual que la de los otros personajes que interactuaban en determinados momentos con Sara Lint. A lo mejor el mismo sentido íntimo de la obra, hizo que los demás personajes fueron simplemente incidentales, sin embargo, creo que si hubieran sido más explorados, se habría dado más ritmo a la estructura de la obra.
También creo que la obra podía haber aprovechado el espacio de la sala de Sarao para interactuar más con el público, al estilo de un cabaret. La magnífica voz de Vargas y la coreografía hubieran sido los componentes perfectos para romper la cuarta pared y sumergir al espectador en el mundo del cabaret, como se planteó al inicio de la obra, con algunas mesas dispuestas como si fuera un bar y permitiendo el ingreso de bebidas a la obra dando la ilusión de estar en un cabaret.
Es de destacar el intento de Elena Vargas de realizar este estilo de teatro en la escena teatral ecuatoriana en general, en donde el género de cabaret ha sido tergiversado y nunca realizado. Elena ya adelantó en este festival que está preparando una nueva obra de este género ya que se siente cómoda dentro de este campo a pesar de sentir admiración y gusto por el trabajo de sus padres –Charo Francés y Arístides Vargas- en Malayerba.

Flores Arrancadas de la Niebla

2008-09-14T23:57:00.006-05:00

Con una puesta en escena minimalista, un ritmo lento pero jamás monótono y dos fuertes actrices que en la piel de sus personajes, exponen sus dudas y temores ante un mundo inclemente y quizás desesperanzador, se presentó la obra “Flores Arrancadas de la Niebla”, en el marco del Festival Internacional de Artes Escénicas.

Con el texto original de Arístides Vargas, el director español Pepe Bablé, estructuró una obra visceral, con una atmósfera constante de recuerdos y con un sabor a nostalgia que en ningún momento se torna pesado. Por el contrario, la grandeza de la obra reside en que los personajes Aída y Raquel, a pesar de la fortaleza y coherencia que tienen, son al mismo tiempo, frágiles, justamente por las condiciones adversas que pasan al ser exiliadas de un país en posguerra. Sólo se tienen a ellas mismas y bajo esta complicidad no pactada es que se desarrolla esta historia donde el dolor y la risa llegan a un público con forma de nostalgia, sacándolo de la costumbre de encontrar en el escenario un “reflejo” al carbón de su vida diaria. En esta obra el espectador, aprende a decodificar nuevos significantes, se potencializa aun más la ardua labor del teatro y sobre todo, empieza a ser visto de una manera poética, que es justamente lo que se propone también el grupo de teatro Albanta con “Flores Arrancadas de la Niebla”.
Como proceso de investigación, el director y las actrices Ángeles Rodríguez y Charo Sabio, volvieron a leer los textos de Arístides Vargas, y todo cuanto había sido publicado sobre él. Se sumergieron en su universo, en las obras que habían visto de él, en sus personajes e historias, para luego tratar de “olvidarlo” y así poder eregir la obra intentando no ser una copia del ya legendario grupo Malayerba que Vargas dirige desde Quito.
Sin embargo, es inevitable rememorar a Malayerba con la puesta en escena de Albanta. Quizás el hecho de respetar letra por letra el texto original de Vargas y la admiración por las puestas en escena de Malayerba, tuvo algo que ver inconscientemente a la hora de hacer el montaje de “Flores Arrancadas de la Niebla” De todas formas, Bablé señala que si ha montado “Flores…” es porque encontró inquietudes que él quería contar a través del texto original de Vargas.
A pesar de que la obra sólo cuenta hasta el momento de su presentación en Sarao, Guayaquil, con cuatro funciones, se ve un trabajo sólido, muy bien cuidado y con una base excelente para seguir indagando y explorando la obra en el tono de voz de los personajes, en el movimiento, en la iluminación y en demás detalles que permitirán la madurez de esta obra maravillosamente sobrecogedora.

El Florido Pensil

2008-09-09T00:12:00.008-05:00

Entre risas y situaciones pueriles cargadas de todo un pasado reciente de la España de la posguerra, se presentó la obra “El Florido Pensil”, del grupo vasco Tanttaka Teatro, en su paso por el Festival Internacional de Artes Escénicas de Sarao.
“El Florido Pensil”, adaptado del texto homónimo de Andrés Sopeña, narra la historia de cinco niños que vivieron en la sombría época de la España franquista, donde a pesar de la rigidez social que se vivía en los colegios, en las familias y en los barrios, siempre había lugar para el humor y para la complicidad entre los niños, frente a unos profesores rígidos y “benefactores” de la política de esa época.
Aunque los espectadores no pararon de reír con la obra, no se puede decir que se trate exactamente de una comedia. Utiliza ciertos elementos de ésta, pero es en realidad una historia íntima de estos niños manipulados a todo momento por el sistema político español de aquella época. “El Florido Pensil” deviene entonces en un rescate de la memoria desde un punto de vista sociológico. No busca retratar una memoria histórica sobre el momento vivido en España, sino cómo este hecho afectó a sus habitantes y que secuelas o marcas quedaron en ellos a lo largo del tiempo.
El retrato de la España franquista ya ha sido tema para un sinnúmero de películas y en un menor grado, en obras de teatro. El aporte de esta obra está justamente en el tratamiento del tema: A través de un grupo de niños de un pueblo vasco, con el que vamos a ser testigos de la dureza de ese sistema, por medio de un humor muy bien armado que en ningún momento cae en lo burdo ni se vuelve repetitivo.
Me parece muy interesante que la obra deje claro que son cinco actores adultos que “interpretan” a niños, es decir, nunca se siente el “engaño”, tipo El Chavo del Ocho, en donde el actor emula ser un niño. En este caso, la magia de la obra consiste en el relato que hacen estos adultos marcados por la época franquista sobre su propia infancia, principalmente en el aula de clases.
“El Florido Pensil”, es una obra que invita a la reflexión, a pensar qué tanto los seres humanos llevamos con nosotros a través de los recuerdos, de las experiencias vividas y cómo vivimos con todo ese bagaje. Aunque el público guayaquileño asistente a la obra, tendría un conocimiento medio sobre la represión en la época franquista, hay cosas que son comunes para todos sin importar la nacionalidad, como las marcas que pueden dejar las situaciones políticas, históricas, sociales en nuestra vida diaria aun cuando éstas hayan cambiado vertiginosamente con el paso del tiempo.

Muestra de Cine Uruguayo

2008-09-06T13:48:00.004-05:00

El OchoyMedio desarrollará durante los días 9, 10 y 11 de septiembre en la Sala 9 de Supercines Los Ceibos, una muestra denominada “Tributo al Cine Uruguayo”.
En el marco de esta muestra, el lunes 8 septiembre a las 19h30 en el auditorio del Ministerio del Litoral, el director de la Cinemateca Uruguaya, Manuel Martínez Carril, dará una conferencia titulada “La Experiencia de un cine nacional en Uruguay”. La entrada es libre.
La conferencia versará sobre una proyección a partir del panorama de la actualidad y de la producción cinematográfica, y abordará referencias de cómo fueron las cosas en el pasado, y cómo amenazan serlo en el futuro.

La películas de la muestra “Tributo al cine uruguayo” son:

25 WATTS
(Uruguay, 2001, 92 minutos) Dirigida por Pablo Stoll y Juan Pablo Rebella. Protagonizada por Daniel Hendler, Jore Temponi, Alfonso Tort.
Leche, Javi y Seba son tres jóvenes de Montevideo. Todavía están levantados desde la noche anterior, bebiendo cerveza y recorriendo las calles, pero aún no se quieren ir a dormir, y siguen bebiendo cerveza y evadiendo sus responsabilidades. Es aburrimiento crónico.
MARTES 9 DE SEPTIEMBRE
19:30 SUPERCINES LOS CEIBOS

EL BAÑO DEL PAPA
(Uruguay, 2005, 90 minutos) Dirigida por César Charlone, Enrique Fernández. Protagonizada por César Troncoso, Virginia Méndez.
El Papa Juan Pablo II va a visitar Melo, una ciudad del interior de Uruguay. Los más modestos están convencidos de que esta visita será milagrosa para el alma y la cartera. Pero Beto tiene una idea mejor: construirá un baño y lo alquilará.
MIÉRCOLES 10 DE SEPTIEMBRE
19:30 SUPERCINES LOS CEIBOS

LA ESPERA
(Uruguay, 2002, 65 minutos) Dirigida por Aldo Garay. Protagonizada por Elena Zuasti, Verónica Perrotta.
Una madre, una hija y un vecino cultivan frustraciones y reproches en un contexto de ambientes anónimos, vacíos, tejiendo una sorda y enfermiza relación de dependencia.
JUEVES 11 DE SEPTIEMBRE
19:30 SUPERCINES GYE

Mas información: www.ochoymedio.net

Ya llega el Festival de Sarao!

2008-09-02T21:40:00.011-05:00

Mañana miércoles 3 de septiembre, arranca el 11o. Festival Internacional de Artes Escénicas Guayaquil 2008 que se extenderá hasta el domingo 14 de septiembre.
En esta edición, el festival contará con la presencia de grupos de Cuba, Argentina, España, Suiza, Uruguay y Ecuador.

Este festival, que organiza el Centro Cultural tendrá como sedes los siguientes escenarios:
• Sala de teatro del Centro Cultural Sarao;
• Sala principal del Centro de Arte;
• Sala experimental del Centro de Arte;
• Sala de teatro de la Alianza Francesa; y
• Sala de teatro de la Casa de la Cultura del Guayas.

Además de la presentación de las obras, se realizarán eventos paralelos, tales como talleres, conferencias, paneles que son los siguientes:
• Taller de aproximación psicoanalítica al teatro con Gustavo Geirola, profesor del Whittier Collage, de Los Ángeles, California.
• Taller de Dramaturgia, con Arístides Vargas, Director del grupo Malayerba de Ecuador.
• Conferencias sobre crítica teatral con Jaime Gómez Triana de Cuba, para medios de comunicación Escrita y universidades.
• Panel de desmontajes con directores de las compañías nacionales, internacionales, periodistas culturales, estudiantes de arte escénico y público en general.
• La reseñas críticas de las obras de teatro saldrán publicadas en diario El Universo por Juan José Santillán de Argentina; en diario El Telégrafo por Jaime Gómez Triana de Cuba; y Rodrigo Ponce de Ecuador para la revista El Apuntador.

A continuación las obras que se presentarán a lo largo del Festival:

ARGENTINA / Timbre Cuatro / ---------- "La omisión de la familia Coleman".

CUBA / El Ciervo Encantado /-------------"Un elefante ocupa mucho espacio", y "Visiones de la cubanosofía".

ESPAÑA - CÁDIZ / Albanta /--------------"Flores arrancadas de la Niebla".

ESPAÑA - PAÍS VASCO / Tantaka /------"El florido pencil".

SUIZA / Da Motus / -------------------------"Attention".

URUGUAY / La Cuarta /--------------------"Gatomaquia".

ECUADOR
a) La vuelta al mundo en 80 meses ---------"Plush" (Teatro Gestual)
b) Muégano Teatro y Arawa ----------------"El Viejo Truco del Círculo de Tiza".
c) Teatro del Cronopio -----------------------“Noche Rifamuerte" (Sainete para noctámbulas)".
d) Espada de madera -------------------------"Los pájaros de la memoria"
e) Elena Vargas--------------------------------"Recuerdos de Sara Lint".
f) Sarao-----------------------------------------"Diario de un loco"

Mañana miércoles 3, abrirá el festival la obra "Diario de un Loco", de Sarao, con Lucho Mueckay y Michelle Mena, en el Centro Cultural Sarao, a las 21h00.
La entrada tiene un costo de $10.

Para más información contactarse con el Centro Cultural Sarao:
1a Oeste 313 y Av. del Periodista  - Kennedy Vieja - Guayaquil Ecuador 
Correo Electrónico:  ccsarao@gye.satnet.net 
Dirección en Internet (para búsqueda de textos y fotos): www.teatrosarao.blogspot.com
www.festivalinternacionaldeartesescenicas.blogspot.com/

Homenaje a François Truffaut en la Alianza Francesa

2008-09-02T19:49:00.001-05:00

Durante los martes de septiembre (2, 9, 16, 23 y 30), la Alianza Francesa Guayaquil exhibirá las mejores películas del fallecido cineasta francés.

A continuación las fechas:

2 de septiembre
“François Truffaut, una autobiografía”, filme documental de Anne Andreu, 78 min, 2004.

9 de septiembre
Les 400 coups (Los 400 golpes), filme de Truffaut, 95 min, 1959.

16 de septiembre
Baisers volés (Besos robados), filme de Truffaut, 87 min, 1968.

23 de septiembre
Domicile conjugal (Domicilio conjugal), filme de Truffaut, 93 min, 1970.

30 de septiembre
L’amour en fuite (El amor en fuga), de François Truffaut, 91 min, 1979

Para que los que no saben francés, no se preocupen, filmes están subtitulados al español. No pierdan la oportunidad de ver la obra de este célebre cineasta. Muy pocas veces se tiene la oportunidad de disfrutar de un buen cine francés.
La cita es en el auditorio de la Alianza Francesa a las 19h30. Entrada Libre.

OchoyMedio presenta: Eurocine 2008

2008-06-22T17:05:00.003-05:00

Con el regreso del OchoyMedio a Guayaquil, desde Supercines, el festival Eurocine marca presencia dentro de las actividades culturales de la ciudad. En esta ocasión, el país estrella del festival es Francia, donde fueron seleccionadas las mejores películas de ese país para esta edición del Eurocine. La selección estuvo a cargo de Jean-Michael Frodon, director de la revista “Cahiers du Cinéma”.

La inauguración del Festival Eurocine en Guayaquil, se realizó el jueves 19 de junio, con la proyección de la cinta francesa “Irma Vep” (1996), de Olivier Assayas. Se trata de una película que es un ensayo del oficio del cineasta. Muy al estilo francés, de una sutileza impecable, con excelentes actuaciones (sobre todo la de la hermosa Maggie Cheung) y una puesta de cámara bastante ágil, que adquiere una vital importancia como la fotografía, el sonido o la dirección de arte.
El viernes 20 fue el turno de las películas: Un Amigo Mío (Alemania), Ficción (España) y Las Chicas de la Lencería (Suiza). De las tres, la única que pude ver fue la española “Ficción”, relato hermosísimo sobre un cineasta que decide internarse en el campo para intentar escribir su próxima película. En este escenario todo sucede con la mayor tranquilidad y lentitud, como la vida campestre, pero pronto el protagonista encontrará nuevas razones para su estadía en esta zona rural. De igual forma, el espectador entra en el discurso de la película que a pesar de no tener una narración fresca y constante como “Irma Vep”, se mantiene muy prolija en su estructura dramática, lo que la convierte en una película de cine-arte, que no habría que pasar por alto.
En el marco del Eurocine, se realizará un encuentro de críticos de cine ecuatorianos, que estará presidido por Jean-Philippe Tessé, redactor de Les Cahiers du cinema, quien además dará conferencias en Quito y Guayaquil.
El Eurocine estará en Supercines, hasta el domingo 6 de julio. Es muy recommendable ver todas las cintas, pero en caso de que haya que hacer una elección habría que optar por todas las películas francesas del festival. Si se busca algo más clásico, el festival también trae una sección denominada “Memorias”, donde se puede apreciar cintas de grandes directores como Bergman, Antonioni o Fernando Fernán Gómez.
Para más información visiten el sitio de OchoyMedio: http://www.ochoymedio.net/

“Fragmentos de Junio” en Sarao

2008-06-22T16:36:00.004-05:00

Este miércoles 18 de junio, arrancó en Sarao el séptimo encuentro internacional de Danza “Fragmentos de Junio”, que se extenderá hasta el día 29 próximo, con la presentación de países como Ecuador, Argentina, Brasil, Colombia, México, Cuba, entre otros.
Una excelente oportunidad de ver buena danza contemporánea, en donde se puede apreciar el trabajo de nuevos grupos de danza, así como también las propuestas de los ya consagrados que vienen de diferentes partes del continente. El encuentro es en Sarao (Kennedy Vieja, Primera Oeste 313 y avenida del Periodista). La entradas tienen un valor de $10.
Si quieren saber más sobre el festival (búsqueda de textos y fotos), visiten el sitio:
http://www.fragmentosdejunio.blogspot.com/

El EDOC 7 llega a su fin en Guayaquil

2008-05-26T02:08:00.002-05:00

Después de dos semanas de disfrutar documentales de los lugares más cercanos y distantes del planeta, el EDOC terminó hoy domingo 25, en Guayaquil su séptima edición, dejando un sabor agridulce y un compromiso por mejorar para la octava presentación del 2009.

Este año, se sintió una gran disparidad en cuanto a la calidad de los documentales. Hubo películas de alto nivel como Santiago, If We Knew, A Father’s Music, Un Tigre de Papel (ganadora del EDOC 2008), She’s a Boy I Knew, entre otras, pero también hubo documentales de poca calidad, que pueden ser útiles como ejercicio para sus realizadores, pero que definitivamente para un festival de cine documental, que en nuestro país se ha ganado un prestigio a lo largo de seis ediciones de buenas películas, resulta algo lamentablemente y que debe tomarse muy en cuenta para los próximos festivales. Para el 2009 se hace urgente una selección rigurosa para los documentales nacionales y la creación de más foros en Guayaquil, como el que Foro Trans, que atrajo a mucho público el miércoles 21 de mayo, a propósito de la presentación del documental “A Imagen y Semejanza” de Diana Varas.
A continuación, una reseña de los documentales que me conmovieron, sea por su buena o mala calidad.
She’s a boy I knew. Un documental canadiense, en el que el director muestra todo el proceso de cambio de género de masculine a femenino. Con interesantes recursos de animación y una buena voz en off, Gwen Haworth (su nombre actual de mujer), entrevista a sus seres queridos, donde éstos confiesan su percepción, miedos y expectativas acerca de la nueva identidad de Gwen. Se Mi Calificación: 9.5
Golpe a Golpe: Este proyecto de documental ecuatoriano, intenta narrar la historia de los tres mejores boxeadores de la historia del Ecuador, que ahora han desaparecido de la memoria colectiva quiteña. No podemos decir memoria colectiva nacional porque los tres mejores boxeadores según el documentalista Galo Betancourt, son quiteños o fue en Quito donde realizaron su carrera. La narración dejó mucho que desear y a pesar de que tenía un tema interesante, el realizador no supo aprovechar el potencial de los personajes del documental. Mi Calificación: 6
Los Soneros de Tesechoacán: Documental mexicano que muestra cómo las tradiciones de un lugar se van perdiendo poco a poco. La película tiene una narración monótona, una edición lenta y los personajes del documental, a causa de la forma en que fue concebido, se ven opacos, tristes, a pesar de la música autóctona que sería el leit motiv del documental. Mi Calificación: 7
Un Tigre de Papel. El documental ganador del EDOC. Esta película colombiana reconstruye la vida del pionero en la utilización del collage en Colombia: Pedro Manrique Figueroa, personaje pintoresco, que al igual que Santiago (Brasil), establece contacto con el espectador. Una ventaja que posee el documental colombiano es que Pedro Manrique Figueroa no figura en el mismo (está desaparecido hasta ahora) y él es reconstruido por las personas que lo conocieron y por algunos de sus collages. La película tiene muy buen ritmo, toma algunos recursos del cine oriental para la estética del documental y la música presente es de primera. Mi Calificación: 10
Jogo de Cena. Un interesante documental brasileño realizado por el veterano Eduardo Coutinho. Con una narración innovadora, esta película cuenta la historia de vida de varias mujeres contadas a través de ellas mismas y por actrices de larga trayectoria en el cine y la televisión en Brasil. La edición resulta tan poderosa en este documental que a momentos, no se logra saber quién es la actriz y quién es la mujer de la vida real. Mi calificación: 9.5
A Imagen y Semejanza. El mejor de los documentales ecuatorianos de esta edición. De corte antropológico y sociológico, este mediometraje muestra las historias de vida cuatro transgéneros y sus subjetividades. Un trabajo muy riguroso y con una calidad poco vista entre los documentales nacionales del EDOC 7. Quizás hubiera sido interesante ver a los personajes haciendo sus actividades cotidianas, ya que predomina el concepto de cabezas parlantes, es decir, los personajes sentados hablando, en una entrevista. De todas formas, es un trabajo interesante, que trae a colación el tema de la tolerancia de nuestra sociedad con respecto a los transgéneros. Mi calificación: 9
Kuxa Kanema. Desde Mozambique llega un documental que habla del nacimiento del cine independiente en esta naciente república, luego de su independencia de Portugal en 1975. Mi calificación: 8.5
Che Guevara, Il Corpo el il Mito. Aquí se hace una narración sobre las últimas horas del revolucionario argentino el Che Guevara, las razones de su desaparición y el hallazgo de sus restos más de 30 años después. Aunque el documental sigue una línea tradicional, con voz en off y entrevistas, la investigación es interesante tanto como para fanáticos del Che como para quienes han escuchado vagamente hablar sobre él. Mi calificación: 9
El Diablo y la Nota Roja. Documental mexicano que gira en torno a la página policiaca del diario “El Imparcial” de Oaxaca. A través del seguimiento de varios casos sangrientos, el espectador va conociendo poco a poco, las subjetividades que existen en la población en general para preferir la crónica roja y cómo los dueños del periódico reaccionan frente a los hechos de sangre. Pese a que el tema es interesante, el documental es algunos momentos cae en la monotonía. Creo que se quiso mostrar muchos casos sonados, sin pensar quizás en la síntesis, que quizás habría sido mejor para la narración de la película. Mi calificación: 8
El Triciclo. Otro documental ecuatoriano que dejó mucho qué desear. El realizador abre la película diciendo que quiere hacer un documental de su familia y que es un proyecto de Universidad. A partir de entonces, lo que veremos es un relato audiovisual digno de ver en una fiesta familiar pero que para un festival, resulta incomprensible. No está bien definido el conflicto, no hay estabilidad con la cámara y la justificación del título sólo aparece en el último plano del documental cuando vemos una foto del director en la infancia, trepado en su triciclo. Mi Calificación: 3
Soy Optimista. Documental holandés que recoge la vida de Gerardina, una ecuatoriana que se desempeña como doméstica en Holanda. Teniendo ya varios años viviendo en Europa, ahora el objetivo de Gerardina es ahorrar dinero para poder exhumar el cuerpo de su madre y transferir sus restos a un osario, en viaje que la llevará a su pasado y a los recuerdos de su extrañada patria. Mi Calificación: 8
Después de la Neblina. Otro documental ecuatoriano que se salva junto a “Imagen y Semejanza” de la etiqueta de mala calidad. Con una narración dinámica, un seguimiento exhaustivo del día a día de los personajes principales, este documental cuenta el drama de varias poblaciones afincadas en la región de Íntag, en la provincia de Imbabura, a la que llega una empresa canadiense con el propósito de explotar cobre, lo que traería problemas de contaminación y expropiación de tierras. Una película en la que se deja entrever el desdén con que las entidades públicas tratan los problemas de tipo social en comunas mayormente pobres, donde lo único que queda es la unión entre los mismos pobladores para visibilizarse ante los medios y la sociedad en general. Mi calificación: 9
Decile a Mario que no Vuelva. Documental uruguayo, en el que el director Mario Handler, desea reconciliarse con los dolores de la dictadura que azotó a Uruguay durante trece años. A través de los relatos de niños y adolescentes en aquella época, el documental intentar ser una radiografía de lo que vivieron algunos prisioneros en la Uruguay fascista de los años 70 y 80. Mi Calificación: 8
El Problema del Mosquito y otras historias. Documental búlgaro que cuyo eje es el pueblo de Belene, azotado de manera inclemente por los mosquitos. Con el paso de los minutos, el espectador descubre otras particularidades de Belene que van más allás de los mosquitos. La narración aunque pausada, es de una exquisitez única. Tiene además una buena puesta de cámara, una fotografía interesante y los personajes transmiten un poco el perfil de este pueblo eslavo. Mi Calificación: 9
El Papel no puede envolver la Brasa. Este documental de producción francesa, muestra la historia de vida de un grupo de prostitutas instaladas en un viejo edificio de la capital camboyana. La película es de una dureza necesaria para una tema como este. Se logra una empatía rápida con los personajes, por aquella sensación de que la cámara es omnisciente. Las mujeres hablan de su pobreza, de lo difícil que es llevar esa vida de maltratos a cambio de dinero para mantener a sus madres e hijos. Somos testigos de cómo algunas de ellas se drogan durante las tardes, intentando anestesiarse de los Dolores físicos y psíquicos a los que se ven sometidas cada noche por sus aberrantes clientes y por una matrona cruel que las ve como instrumentos de trabajo. Mi Calificación: 9.5

Mis Documentales Preferidos del EDOC 2008
1. Santiago (Brasil)
2. Un Tigre de Papel (Colombia)
3. If We Knew (Holanda)
4. A Father’s Music (Alemania)
5. Jogo de Cena (Brasil)
6. El Papel no Puede Envolver la Brasa (Francia)
7. Mi Vida Dentro (México)

Sábado de Documentales

2008-05-18T23:01:00.000-05:00

A las 15h00 de este sábado 17, se exhibieron los documentales "Carnaval da Vitória" y "Hóspedes da Noite", procedentes de Angola y Mozambique, respectivamente. Lamentablemente por cuestiones de tiempo, no pude verlos, a pesar de ser un fanático de la cultura africana.

En la función de las 17h00, se presentó Jumate-Jumate, un documental español en el que se muestra la vida de Camelia, una veterana gitana rumana, que se autoexilia en Barcelona junto a su hija Andrea. Por su condición de discapacitada, Camelia, quien sufre de un problema en las rodillas, se ve obligada a depender de Andrea.
A mi parecer, este documental debió centrarse más en el personaje de Andrea, quien se encontraba entre la espada y la pared, al tener que ayudar a su madre, lo que le traía como consecuencia no poder vivir su propia vida. Es verdad que el personaje pintoresco era Camelia, una enana que pasa vestida de muñeca por las calles de Barcelona, pero sin duda, el conflicto estaba en su hija. Al final de la cinta queda la sensación de que se podia haber explotado mejor esa temática y quizás vincularla un poco al tema de la migración rumana en España. Le habría dado un giro interesante.
A continuación, se exhibió el documental angolano “Oxalá Cresçam Pitangas”, en el que se retrata los defectos y virtudes de una ciudad multifacética como Luana, en donde conviven el caos, la miseria junto con la alegría y la música de un pueblo que dice sentirse el mejor de África entera.
Al principio, el objetivo del documental parecía ser el tratar de “mostrar” a Luanda como una ciudad desordenada, pero al mismo tiempo fascinante, como un retrato fiel de todas las regions de Angola en una sola ciudad. Hasta ese momento, el documental no cuenta nada que no tenga otras ciudades como São Paulo, Nueva York, Buenos Aires o Madrid, donde existen también gran diversidad cultural y con ella todas las manifestaciones artísticas posibles. Lo interesante radica en lo posterior, cuando el documental se acerca a la realidad de esta ciudad, al hablar de la falta de escuelas, de la fuerte migración del campesino a Luanda, en la manera “polite” que tienen los delincuentes angolanos para robar sin herir a nadie, en su diversidad musical. Ahí encontramos elementos que convierten a esta ciudad en algo diferente. Hacia el final el documental se cierra con una vision entre el prototipo de hombre y mujer luandés, a través de un sociólogo y la gente común, con lo cual se termina de dar una mirada holística interesante de la capital angolana.
A las 19h00, se empezó la función con la presentación de un documental, lamentablemente destinado a ser un soporífero: “Baltazar Ushka, el tiempo congelado”, que se trata de una segunda parte, 30 años después de la vida del ultimo hielero del Chimborazo.
Para empezar, la narración es confusa y ambigua. El hecho de ir hacia atrás en el tiempo con un pantallazo en negro: 30 minutos antes, 1 hora 25 minutos antes, etc, parece más un ejercicio de estudiante de primer año, que para documentalistas que aparentemente tienen algunas décadas en el mundo de la no-ficción.
La historia del hielero, 30 años después ya no resulta interesante. En Ecuador, existen tantos otros temas qué contar. El abordaje de este segundo documental del mismo tema y del mismo protagonista, no aporta en nada. El personaje principal no habla y sus acciones son las mismas que las vistas en el documental de hace 30 años. En qué radica la diferencia? Será en el hecho de que el Chimborazo lucía antes cubierto de nieve desde las faldas? Será porque ya no hay otro hielero además de Baltazar Ushka? Para constatar este hecho no hacía falta otro documental. No estoy en contra de Baltazar, su actividad puede incluso parecerme loable, pero el manejo que han hecho de él como personaje es lo que no cuadra y no funciona. El documental no dice absolutamente nada nuevo de lo que vimos hace 30 años.
El proyecto puede haber tenido buenas intenciones, pero personalmente creo que la segundas partes nunca son buenas, ni en el documental, ni en la ficción.
De las gélidas tierras de la provincia del Chimborazo, pasamos a las tierras sureñas de Chile, a un sector Mapuche, habitado por blancos desde hace cuatro generaciones atrás. En “El Juicio de Pascual Pichún”, somos testigos de las peleas por tierra por parte de un poderoso terrateniente y veterano mapuche, que desembocan en un juicio a este ultimo, por haber encabezado un atentado incendiario en contra de la casa del terrateniente.
El documental, a través de una narración tradicional, con entrevistas a los personajes principales, nos muestra todo el proceso judicial en contra de Pascual y de otros dos mapuches, además de una mestiza, quien también fue acusada de confabulación en este atentado terrorista.
Al igual que en el documental “Mi Vida Dentro”, aquí vemos cómo la lucha entre el pobre y el Estado, siempre es en vano para el humilde. El Estado nunca pierde y aunque en el juicio Pascual y los demás implicados salieron inocentes, luego fueron procesados en tres ocasiones con los mismos cargos hasta que pudieron sentenciarlos al encontrar como evidencia una carta de amenaza que los condenó a 5 años y un día de prisión. Pascual Pichún salió de prisión el 2 de marzo del 2007, luego de que su pena fuera rebajada por conducta sobresaliente en la cárcel.

De los Documentales de Autor

2008-05-16T12:41:00.005-05:00

Dentro del género documental, así como en el gran mundo de cine ficción, se podría hablar de subcategorías en las que entrarían documentales de tipo antropológico, biográfico, científico, pero el que siempre me ha interesado más de todos estos subniveles, es el documental de autor.

No sé si en realidad sea el nombre apropiado, pero con documental de autor quiero referirme a aquellos documentales en los que el director siente la necesidad de contar la relación directa o indirecta que tiene con determinada problemática. En este caso, el director se vuelve entonces, una pieza importante dentro del documental, pero está justamente en la creatividad de él mismo, decidir si aparecerá como un personaje más, como protagonista o como narrador omnisciente.
Ayer jueves, en la Alianza Francesa, se pudo apreciar algunos documentales que intentaban recoger el espíritu de estos directores, en los que aparece esta necesidad de contar una realidad que los agobia, persigue o que aman de sobremanera.
El primero fue “Permiso, que llegó”, de Cristina Mancero, en el que la realizadora habla de su familia y de un grupo de gente marcada por el ritmo cubano de la salsa. Con una voz en off, en la que la directora devela particularidades de su familia, la narración nos va conduciendo desde una ruidosa Quito por los aviones que surcan los cielos de la capital, hasta los compases que dan forma a la salsa como música. Aunque la propuesta es interesante y se gana la empatía del espectador a los pocos minutos, la introducción resulta demasiado larga, a tal punto que llegué a creer que se trataba de un documental de la familia de Mancero. Luego encontró el vínculo con la salsa y desde ahí se empieza a desarrollar el documental como tal. Quizás estaría bueno si se pudiera acortar un poco la introducción de la familia, ya que ese tema, sería válido para otro documental. La salsa, que luego empieza a desarrollar, es otro tema.
En cuanto a la parte técnica, existen varios desperfectos como la imagen y el audio inestable a varios momentos del documental. No sé si aquellos momentos en que se el audio y video se distorsionan son intencionales, pero si lo son, debería quedar más clara la intención de hacerlo, para no pensar que fueron errores de principiante.
Algunos encuadres tampoco estuvieron bien logrados a nivel técnico, así como también hubo algunas tomas que no aportaban a la narración audiovisual. En determinado momento, la voz en off dice que la sala es como una puerta que se abre lentamente… y mientras tanto, vemos la toma de una puerta que se va a abriendo. A mi parecer este recurso es demasiado elemental para un documental.
El abordaje que se hace sobre la salsa, sus principales exponentes, las claves, se hace interesante. La voz en off, ayuda mucho en la narración y es sin duda, la mejor parte del documental. Hacia la parte final, la directora comete el error de justificar el porqué habla de sólo tres exponentes de la salsa –Blades, Colón y Lavoe-. Está claro que como documentalista ella debe tomar una postura, un enfoque y al tratarse de un documental de tipo personal o de autor -como le digo yo-, es obvio que todo cuanto presente en el mismo, será de índole personal, por lo que veo innecesario que tenga que decir que esos exponentes son los más importante para ella porque son los que han influenciado en su vida.
Luego de este documental, se presentó “Cayuco”, que inicia con planos panorámicos geniales en donde al fotografía es su mejor logro. Acompaña a esta introducción una música épica al más estilo de Troya y Alexander, que desde este momento no se despegará ni un minuto del documental.
Esta película cuenta los testimonios de inmigrantes africanos que han puesto su vida en riesgo para poder llegar a España, a través de los frágiles cayucos –embarcación más pequeña que una canoa y hecha de una sola pieza.
El documental es interesante, la fotografía es admirable, aunque la música épica pasa de ser una fortaleza a una debilidad, puesto que se abusa mucho de este recurso.
A las 17h00, se exhibió “Camilo, the lond road to disobedience”, documental que según la sinopsis del EDOC, cuenta las historias de vida del Sgto. Camilo Mejía, quien fue el primer objetor de conciencia en la Guerra de Irak y Fernando Suárez del Solar, quien es el padre del primer soldado mexicano abatido en la Guerra. La sinopsis resulta tentadora y durante la primera parte se desarrolla muy bien, aunque luego cae en el error de perder el foco de su investigación, al adentrarse en Nicaragua y las consecuencias de la represión Sandinista, lo cual no atañe al documental que se centraba más en las historias de vida de los dos personajes ya expuestos.
Personalmente, siento que el director busca destacarse dentro del documental. En varias ocasiones, escuchamos al director comentar con sus entrevistados, como si fuera más interesante la opinión de él que la de la persona que entrevista. Ya en los últimos minutos, el director se permite incluso salir delante de las cámaras y “presentar’ a algunos de sus personajes de Nicaragua. Esto estuvo demás, ya que todo aquello que quisiera expresar el director, debía hacerlo de mejor manera, a través de su narración del documental (Atención: La voz en off no es el único recurso que existe para la narración en un documental). En este documental, el director quiso toda convertir a su documental en un trabajo de tipo personal, intimista, a través de su aparición delante de cámaras, cuando su verdadera labor estaba detrás de la cámara. Es un buen ejemplo, de lo que no debe hacerse en un documental de autor, ya que él no tenía un nexo directo con la población nicaragüense, que ni siquiera, debía aparecer en el documental, ya que no hacía parte de su enfoque real o al menos de la sinopsis presentada.
A las 19h00, se presentó uno de los mejores documentales de autor: “A Father’s Music”, del realizador Igor Heitzmann, que retrata el proceso de redescubrimiento que realizado este director alemán sobre el pasado de su padre, el director de orquesta Otmar Heitzmann.
La narración del documental es impecable, se logró un estilo para cada personaje. El ritmo está muy bien manejado y los espectadores logran establecer un vínculo con el director y con su padre, a través de sus conversaciones. El momento clímax del documental, cuando Otmar Heitzmann vuelve a dirigir una orquesta, por deseo de su hijo, fue un momento sobrecogedor para todos los espectadores de la sala.
Igor Heitzmann, de 37 años, contó en el foro después de la película, que antes de “A Father’s Music”, no tenía ninguna experiencia en el cine documental. La motivación para realizar este proyecto vino cuando su padre cumplió 80 años y varios amigos lo impulsaron a que realizara un documental sobre la vida de su padre. El director se lanzó a hacerlo, aun cuando no tenía una idea muy clara para llevarlo a cabo.
Empezó con una investigación de archivos. Llegó a recopilar más de 120 horas de grabación de conciertos, de programas de televisión en los que había aparecido su padre, de discos LP’s, etc.
A pesar de que Heitzmann sentía un poco de rencor a su padre por la vida que llevó (tuvo dos familias y eso repercutió en su infancia y adolescencia), cuando empezó a trabajar en el documental en el 2002, el rencor fue desapareciendo. Ahora luego de haber terminado el documental la relación con su padre es mejor aunque igual sigue teniendo cierto distanciamiento.
“A Father’s Music” ha participado en varios festivales tales como: El Festival de Cine Documental del Tel Aviv (Israel), El Festival de Cine de Sofía (Bulgaria) El Festival de Cine Documental y Animación de Leipzig (Alemania), El Festival Mundial de Montréal (Canadá), entre otros. Dentro de dos semanas, el documental se presentará en el Festival de Cine de Cracovia (Polonia).
Este viernes se presenta a las 15h00, en la Alianza Francesa, el documental chileno Calle Santa Fe y a las 19h30, en Supercines, el documental ecuatoriano “Ellas” de Álvaro Muriel.

Miércoles de EDOC

2008-05-14T23:19:00.002-05:00

El miércoles 14 de mayo, en el marco del EDOC, se pudo apreciar documentales de lugares tan diversos como Israel, Mozambique, pasando por México y Ecuador.

El primero de los presentados, Minadores, de Fadia Paola Rodas, mostraba el día a día de los recolectores de basura de Quito. Aunque el documental presentaba un buen desarrollo de los personajes, hacia el final, la estructura se desarmó al no dar un desenlace a la historia. En mi opinión, en los últimos diez minutos de la película debería dársele un poco de ritmo para que el final no se sienta vacío o al menos, se lo trabaje de tal manera que el final abierto se sienta intencional y no como una debilidad por parte de la realizadora.
El segundo documental, "A Guerra Da Água", de Mozambique, presentaba la realidad de las pequeñas comunas del desierto que con el pasar del tiempo, las condiciones de vida se iban agravando, principalmente en el asunto del agua. Las mujeres de estas comunidades se ven obligadas a caminar varios kilómetros en busca de los pocos pozos que puedan proporcionarles agua para sus necesidades más básicas.
Este documental, aunque lento en su desarrollo, jamás cae en la repetición o en el sin sentido. Cada plano tiene su justificación y se tiene la impresión de que la cámara no estuviera presente. Las mujeres se permitieron hablar con naturalidad del patriarcado en el que se están sometidas, expresando su inconformidad al tener que caminar diariamente bajo el inclemente sol para buscar el agua que muchas veces no pueden traer hasta sus casas por razones múltiples.
A las 17h00, inició “Mi Vida Dentro”, un documental duro, que recoge todo el juicio que se le hace a Rosa, una mexicana que entró ilegalmente a Estados Unidos y que fue apresada por sospecha de homicidio de un infante al que ella cuidaba.
A través de esta historia podemos conocer una vez más el dolor que queda en los familiares de los países de origen, que se hace mayor cuando se tiene un hijo o una hija preso en una nación tan rígida de leyes como Estados Unidos. El documental construye a base de entrevistas la vida de Rosa hasta el fatídico día en que es detenida. Paralelamente, se va siguiendo el juicio en el que podemos apreciar –y detestar- a una fiscal anglosajona que se expresa con un tono bastante xenófobo de la mexicana Rosa, quien también contó en una de las entrevistas, que sufría de discriminación en el interior de la prisión por parte de los policías y de algunas reclusas.
Hacia el final del documental somos testigos de la condena de 99 años a la que es sentenciada Rosa, a pesar de todas las pruebas que se presentaron de su inocencia. Nada de eso fue suficiente para el jurado gringo que decidió privar de la libertad para siempre a una mexicana de origen humilde. Es una pena que la gente de alto nivel social y de poder, nunca pase por este tipo de procesos ni mucho menos fueran condenados a cadena perpetua. Eso es algo que lamentablemente sólo le pasa a la gente humilde, como decía una jurista norteamericana, bastante decepcionada del sistema legal de su país.
El documental de dos horas de duración, dejó una fuerte impresión en los asistentes, ya que por la realidad de Rosa, bastante similar a la de muchos de nuestros compatriotas en el exterior, los espectadores sintieron empatía por la mexicana, cuyo único sueño en la vida era acceder a mejores oportunidades. Aunque es un documental duro, su contribución para mostrar una vez más las bajezas y paradojas de la “gran” nación norteamericana, es indiscutible. Ojalá que con proyectos como este, la gente deje de mirar al norte como una alternativa y miremos a nuestros lados, para salir juntos adelante y no trabajando en tierras yanquis, donde los latinos son mirados con desprecio, a pesar de la gran mano de obra que sostiene la economía de ese “coloso” del norte.
Como última función, se presentaron dos documentales: El primero, Sobremesa, de Yanara Guayasamín y 9 Star Hotel, de Ido Haar. Sobre el corto documental ecuatoriano, debo decir que me dejó sin palabras y no por magnífico o sublime, sino porque no encontré el fondo del asunto. Aunque el objetivo de querer mostrar cómo una señora prepara el almuerzo para sus muertos y de utilizar el recurso de la cámara cenital durante todo el corto, la narración no queda clara. Pese a que en la sinopsis oficial se dice que se trata de un ritual realizado en la península de Santa Elena, el corto en sí, no lo logra comunicar, ya que bien se podría pensar que se trata del ritual de una persona en particular y no de una tradición ancestral en la península. Otra falla fue el audio, que apenas si era entendible y con el pasar de los minutos fue perdiendo la lógica del tema. Creo que hubiera sido mejor eliminar la voz en off y dejar que las imágenes explicaran el corto. Seguramente la realizadora se dio cuenta que si no ponía una voz en off, su proyecto dejaría de ser un intento de documental y se convertiría un corto de ficción más o quizás de video-arte. En todo caso, el hecho de colocar una voz en off sobre imágenes coloridas, no convierte automáticamente a un video en documental.
El documental “9 Star Hotel”, retrata las vivencias de un grupo de palestinos que trabajan ilegalmente en los territorios ocupados por Israel. A través de la película somos testigos de la vida clandestina que llevan estos personajes y cómo los lazos de amistad se van fortaleciendo al encontrarse en una tierra prohibida donde su raza y cultura es despreciada.
A lo largo del documental, podemos conocer el lado humano de los palestinos. Se trata de un grupo de hombres que lo único a lo que aspira es a tener un mejor nivel de vida. Los vemos cantando, cocinando, incluso haciendo crítica a su propia cultura árabe, logrando que poco a poco, vayamos desdibujando aquella imagen negativa que los medios se han encargado de posicionar sobre el mundo árabe.
Este jueves 15 se presentan en la Alianza Francesa, los documentales: “Permiso, que llegó” (Ecuador), “Cayuco” (España), “Camilo, the Long Road to Disobedience” (Alemania) y “A Father’s Music” (Alemania). En Supercines, a las 19h30, se presentará el documental brasileño “Andarilho”.

Primeras Funciones del EDOC en Guayaquil!

2008-05-14T14:34:00.005-05:00

El primer día de funciones del EDOC en Guayaquil empezó a las 15h00, con la presentación de los documentales “Merely a Smell” de Maher Abi Samra y “Enrique y Judita” de Andrea Roggon.
A las 17h00, se presentó el documental “Todos nos Hacemos Ilusiones”, del austriaco Bernhard Hetzenauer. El film recoge las historias de vida de un grupo de adolescentes humildes que cuentan con la ayuda humanitaria de una religiosa católica, la Madre Narciza, quien dirige un proyecto social en Ambato.
De carácter intimista en su narración, el documental retrata las historias de unos muchachos que tienen el deseo de un futuro mejor, a pesar de las complicaciones que pudieran tener en el presente. Se trata de una película sin mayores pretensiones, pero que logra establecer empatía con el espectador. Nos hace partícipes de situaciones cotidianas de estos jóvenes en la casa asistencial que dirige la Madre Narciza, aunque a momentos, sobre todo en los primeros veinte minutos, la narración del documental es demasiado lenta y no se siente un enfoque específico, lo que luego se arregla cuando aparece el primer conflicto: El robo de un DVD player en la casa asistencial.
A partir de entonces, la trama adquiere agilidad, vemos acción en los personajes y aunque la Madre Narciza no nos parece del todo convincente –parece tener plena conciencia de la cámara documental-, resulta un personaje clave para el desarrollo narrativo de la historia.
Este documental fue el proyecto de tesis con el que Bernhard Hetzenauer, obtuvo su título en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena. Luego de haber realizado durante todos sus años de estudio proyectos de ficción, Bernhard creyó conveniente lanzarse en el mundo del documental, específicamente en el aspecto social latinoamericano.
A pesar de las críticas que se levantaron durante el foro con el director -luego de la exhibición de la película-, por el hecho de ser aparentemente un relato “colonialista” más, visto por alguien del primer mundo hacia el tercer mundo, la película sí tiene sus aciertos y una ágil narración luego de los primeros veinte minutos. La verdad lo de “colonialista”, me pareció exagerado y hasta ambiguo, ya que el término no venía a colación para una cinta de carácter personal, realizada por el joven director austriaco. En palabras de Hetnezenauer, la principal motivación era hacer “un documental de tipo social que mostrara una realidad latinoamericana que yo no conocía”, lo cual resulta completamente válido, ya que si se criticó el hecho de que podía ser otra película social más, se dejó a un lado también el deseo del realizador de ver –filamar- con sus propios ojos, una realidad que para el Europa es completamente ajena: La latinoamericana, en donde conviven las más grandes paradojas como ciudades completamente urbanizadas al estilo del primer mundo con todos los medios de comunicación posibles y pueblos perdidos en medio de las carreteras, en los que muchos ni siquiera gozan de los servicios básicos. Esa es una de nuestras realidades en Latinoamérica. No resulta ser la mejor, tenemos muchas fortalezas sobre el resto del mundo, como nuestra riqueza cultural en todos los sentidos, pero siempre resulta interesante que gente de otros lugares intenten explicarse qué o cómo se vive en Latinoamérica, así como también resulta interesante ver la mirada de nosotros como latimoamericanos sobre la manera de vivir en Europa, en Asia o en África.
A las 19h30 se presentó “Si lo hubiéramos sabido” (Als We Het Zouden Weten), un documental holandés fuerte, pero con grandes aciertos y sobre todo necesario conocer. El documental se desarrolla en un hospital pediátrico holandés en el que se siguen los casos de bebés prematuros y los esfuerzos que realizan los médicos a través de tratamientos para intentar salvar sus vidas hasta llegar al cuestionamiento sobre si se debe continuar o no, con dichos tratamientos dependiendo de la gravedad del caso.
La película tiene una narración ágil, que no decae en ningún momento. Acompañada de una impecable voz en off y de un jazz liviano, el documental nos sumerge en este mundo de importantes decisions en donde los médicos no han perdido su sensibilidad a pesar de sus años de experiencia y los vemos involucrados emocionalmente en cada caso, lo cual resulta una sorpresa para la gran mayoría, quien está acostumbrado a una cierta rigidez por parte de los médicos que día a día se enfrentan a la vida y a la muerte con sus pacientes.
En el documental presenciamos los tratamientos delicados a los que deben ser sometidos los niños prematuras y los rostros de incertidumbre que invaden a sus padres al no poder hacer nada más por sus hijos. La cámara se convierte en un elemento invisible dentro del documental. Nunca se siente la presencia de la cámara y hasta se llega a tener la impresión de que se tratara una película de ficción o que la cámara hubiera sido invisible para los personajes del documental.
La película tiene varios momentos emotivos en los que vemos a una madre sufriendo por la muerte lenta de su hijo prematuro, pero el documental nunca cae en el extremo morboso del dolor. Simplemente muestra lo adecuado para evidenciar esa dura realidad, que también sobrecoge a los médicos, quienes en largas reuniones de trabajo en equipo deciden si deben o no, continuar con el tratamiento a determinado bebé. A decir de la pareja de realizadores, Petra Lataster-Czisch y Peter Lataster, en sus largas conversaciones con los médicos del hospital, éstos afirmaban que con el paso del tiempo, lograban desarrollar una especie de intuición o instinto para saber si un bebé tiene deseos de vivir y si puede salir adelante.
Durante el foro realizado con los directores, después de la película, se cuestionó la decisión de parar determinado tratamiento por parte de los médicos. También se habló de la ayuda psicológica que los médicos reciben para afrontar de la mejor manera los duros casos que les toca enfrentar y se habló además del título: “Si lo Hubiéramos Sabido”. Petra explicó que ésa fue una frase que escucharon constantemente a los médicos durante los dos años de rodaje. La decían para expresar insatisfacción cuando un tratamiento no daba resultado o si luego de un tiempo, descubrían un nuevo tratamiento que podia haber salvado a otros bebés prematuros en el pasado.
La motivación principal de los realizadores para hacer este documental, se debió al hecho de que están llegando a una edad, en la que han empezado a cuestionarse sobre el significado de vivir con dignidad. Fue entonces cuando conocieron el hospital pediátrico y el proyecto se volvió una necesidad para ellos.
“Si lo Hubiéramos Sabido” fue estrenado el año pasado en el Festival Internacional de Documentales en Amsterdam, donde generó bastante polémica, al ponerse en juego la ética profesional, el lado humano de los médicos, las emociones de los padres afligidos, todo esto presentado de manera sincrónica, con una limpieza visual, que ahora empieza a imponerse con bastante fuerza en el género documental.

Arranca el EDOC en Guayaquil!

2008-05-13T01:08:00.003-05:00

Este lunes 12 de mayo arrancó en Guayaquil, uno de los eventos cinematográficos más importantes: Encuentros del Otro Cine (EDOC).

La inauguración, que se realizó en el auditorio del Ministerio del Litoral, tuvo como film de apertura a Santiago, documental de João Moreira Salles, hermano del célebre cineasta Walter Salles.
Santiago, cuenta la historia del personaje protagonista del mismo nombre, que laboró como mayordomo en la suntuosa casa de los Salles. El documental, además de narrar a través del propio Santiago su historia de vida, nos muestra como parte de su estructura dramática, la frustración y deuda que sentía consigo mismo João Moreira Salles al no haber podido hacer el documental que deseaba en 1992.
En el mismo guión, Salles a través de una impecable voz en off, nos hace saber detalles de producción de aquel entonces, como las innumerables páginas de datos importantes sobre la vida de Santiago, la secuencia de planos que iría a utilizar para el montaje y algunas puesta de cámara que aunque en un principio las había descartado en 1992, para esta nueva edición, muchos años después, las utiliza para ejemplificar, su proceso de crecimiento como cineasta a través del tiempo.
El documental, no sólo nos muestra estas tomas descartadas que podrían hacernos sentir que presenciamos un making off, sino que también está sustentada por el discurso intimista, familiar del que nosh ace partícipe Salles, aunque sin duda alguna lo más importante es Santiago, un ser humano riquísimo en cualidades, y con una adoración hacia las grandes dinastías de la historia universal, a tal punto de escribir a máquina, todo lo que encontraba en libros sobre la historia de cada familia.
Más de cuarenta años le había tomado a Santiago, almacenar miles de folios en lo que se encontraban dinastías italianas como los Medici y los Sforza, así como las legendarias familias chinas, egipcias y fenicias. Para Santiago, este era su mayor tesora y aunque vivía solo en un departamento del tranquilo barrio de Leblon, en Río de Janeiro, afirmaba que nunca se sentía solo, ya que gozaba de la compañía de cada una de esas aristocráticas familias.
Con una modesta fotografía que apelaba al lado poético del personaje-protagonista, para el director, João Moreira Salles, este proyecto, era algo que tenía que terminar: “Hice Santiago en un momento difícil de mi vida, en el que me di cuenta que la juventud se iba quedando atrás y tuve deseos de volver a la casa en que crecí y a las memorias de mi infancia, de las cuales Santiago hace parte”, dijo Salles para Folha de São Paulo.

Círculo Rojo

2008-05-04T22:50:00.011-05:00

Gracias a las ventajas de los downloads en internet, he podido conocer una serie que en otras circunstancias no habría podido ver: Círculo Rojo, una ficción española, cuyo gancho principal para mí, fue la señora actriz Carmen Maura.

A la Maura sólo la había visto en las películas de Almodóvar y desde entonces, me volví en su fan acérrimo. Al conocer de la serie española, en donde Carmen ostenta el papel de una villana “con motivos”, no lo pensé dos veces y bajé toda la serie condensada en 12 capítulos.
La historia arranca con la trágica muerte de Clara Villalobos (Paloma Mozo), una exitosa diseñadora a la que nadie ha visto ni en fotografías. Este hecho propicia el encuentro entre Patricia (María Adáñez), hermana de Clara y Andrea (María Botto), su cuñada, después de 18 años. Las tres eran viejas amigas y juntas compartían un terrible secreto que ha marcado sus vidas desde entonces. Patricia tiene razones para pensar que la muerte de Clara está íntimamente relacionada con aquel secreto que Andrea se empeña en mantener oculto. Circunstancias de la vida, unirán nuevamente a Patricia y a Andrea para investigar los móviles que llevaron a Clara a un supuesto suicidio. Poco a poco, irán descubriendo pistas que las llevarán a situaciones insospechadas, de las que pretenden salir bien libradas hasta llegar al fondo de ese secreto, que empezó una noche de 1988.
La historia, que tiene como trasfondo una empresa de modas, goza de un guión excelente, al que hay que prestarle mucha atención, ya que la mínima distracción podría ser prejudicial en esta historia que todo tiene una razón de ser y cualquier diálogo, por más insulso que parezca, podría ser la clave para descubrir la siguiente pieza del magno misterio de la serie. Otra fortaleza del guión está en la capacidad que tiene de hacer dudar al espectador de la honestidad de todos los personajes. Aquí no se puede fiar de nadie, todos tienen cosas qué esconder y cualquiera podría estar relacionado con el pasado oscuro de las protagonistas.
El elenco es de lujo: María Botto y María Adáñez, están perfectas en sus interpretaciones, además de que tienen muy buena química en pantalla. Carmen Maura, como Victoria Villalobos, en cada escena entrega lo mejor de una suegra perversa y convierte a su villana en una femme fatale a pesar de ser una abuela de alta alcurnia. A la misma altura se encuentran Emilio Gutiérrez Caba, como el malvado Arturo Onieva, Rafael Rojas, Marta Calvó, Jesús Noguero, Jorge Bosch y los jóvenes actores Nacho López, Esmeralda Moya, Agustín Galiana, entre otros.
En la parte técnica, la serie está en el top. Hay un buen manejo de los planos, la fotografía y la dirección de arte impecables, aunque a momentos la serie cae en el repetitivo uso del steady cam.
A pesar de todas las fortalezas de la serie, Círculo Rojo no logró tener la acogida esperada en España. Estrenada en mayo del 2007, en el primetime de los lunes de Antena 3, la serie poco a poco fue perdiendo audiencia a tal punto que el canal optó por mandarla a las 00h00, en el late night, ya que estaba perdiendo espectadores por CSI, la apuesta de primetime de Telecinco.
Este horario tampoco ayudó a mucho a Círculo Rojo –muchos aseguran que por el día y hora de emisión-, y fue así que los 19 capítulos de 70 minutos producidos, se comprimieron en 12, que se presentaban en emisiones de más 90 minutos. A pesar de todo, los últimos capítulos de Círculo Rojo consiguieron atraer a más espectadores que deseaban conocer cuál sería el final para la familia Villalobos y el desenlace del secreto de Clara, Andrea y Patricia.
Creo que a Círculo Rojo, le pasó algo parecido que a la serie norteamericana Jericho. Presentaba bajos índices de audiencia, sin embargo, tenía un buen grupo de fanáticos fieles en Estados Unidos y otros tantos que la han visto en distintos países a través de canales locales y otros que descargaron la serie por internet. No sé si Círculo Rojo haya salido a la venta en DVD en España, pero habría que ver si en este mercado multimedia, le iría mejor que en la TV abierta. Otra posibilidad sería vendiendo la serie y viendo los índices de audiencia en los otros países. A lo mejor, España no era el nicho más apropiado para Círculo Rojo. Habría que probar.
Si desean ver la serie Círculo Rojo de manera íntegra, que está demás decir que es excelente, pueden bajar cada capítulo por torrent en Mininova o descargarla en el mismo sitio de Antena 3.

Último día de la Semana del Teatro: Generará cambios en nuestra ciudad?

2008-04-04T00:10:00.011-05:00

El Grupo Arawa y Sarao se presentaron el sábado 29 de marzo.

Este sábado 29 de marzo se terminó la semana del teatro con las presentaciones de teatro de la calle y con la escenificación de “Diario de un Loco”, de Sarao.
El grupo Vértigo empezó su intervención a las 17h00 en las afueras del parque Centenario, logrando reunir a un gran número de personas, que se incrementó después con la llegada de Arawa y su obra “Sancho Panza en el país de la balanza perdida”.
Arawa, con su particular estilo que incluye instrumentos de percusión e interacción con el público, logró mostrar una obra aparentemente de época, pero con una situación muy actual como la deficiencia de nuestros gobiernos “democráticos”. El público respondió afirmativamente con la obra, lo que ha motivado en los integrantes de Arawa, la idea de insistir en la recuperación del espacio público para presentar obras de teatro. Gracias a la regeneración urbana, los teatristas de la calle, fueron obligados a abandonar sus escenarios –las calles-, ya que eran piezas no acordes con los intereses de “ciudad cosmopolita”, del municipio de Guayaquil. Ahora, sin embargo, Arawa y Vértigo desean recuperar este espacio y están dispuestos a dar la pelea para devolverle a la ciudad, parte de ese folclor tan propio de Guayaquil y que al mismo tiempo es común en nuestras ciudades latinoamericanas. Desde aquí mando mis fuerzas para Arawa y los demás grupos de la calle, para que no claudiquen en la recuperación del espacio público.
A las 20h30, Sarao presentaba “Diario de un Loco”, obra basada en el cuento homónimo de Nicolás Gogol. Mueckay logra una interpretación excelente con su personaje, que va desde los devaneos mentales hasta una lucidez extrema que lleva al espectador a la catarsis. Michelle Mena, la enfermera del Mueckay en la obra, está muy a la altura con su caracterización. Lo interesante de esta puesta en escena, además del muy buen uso de la iluminación y la dirección de arte, radica en la adaptación del texto a la cultura guayaca. Entre los diálogos encontramos los nombres de calles guayaquileñas, comidas típicas y demás, que lograron la identificación con el público. Es importante destacar el uso que hace Mueckay del video al inicio y al final de la obra, aunque en este punto, creo que en el futuro, podría utilizar un poco más este recurso, que le daría una mayor versatilidad a la obra.
Con momentos de humor, así como de drama hacia el final de la obra, los espectadores no perdieron la atención ni un solo momento, sobre todo cuando en uno de los sueños del personaje de Mueckay, toma la postura de un político al estilo del antiguo congreso y hace su acostumbrado discurso, utilizando al público como si se trataran de sus otros congresistas.
Lo único lamentable de la obra fue que hacia el final de la misma, justo cuando la tensión dramática aumenta, un señor del público tuvo la desfachatez de ponerse a hablar por celular durante algunos minutos. Lo peor es que este señor no hacía ni el más mínimo esfuerzo por hablar en susurro ni tampoco salió del lugar si es que esa llamada era tan importante. En un momento llegué a sentir incluso vergüenza ajena por el propio actor, que debía ignorar a este subnormal que no entiende que en un teatro o en un cine, lo último que debe hacer es hablar por celular.
Luego de terminada la obra, Mueckay hizo alusión a este hecho, diciendo que “es como si lo insultaran en su propia casa”. La mirada fulminante de Lucho hacia este señor que de paso estaba en primera fila, fue única. Tan maquiavélica como si se aun estuviera en la piel de su personaje. Celebro la actitud de Lucho, ya que un hecho como este no podía pasar por alto. Es hora de que se empiece a respetar el trabajo del actor.
Augusto Enríquez terminó la noche, agradeciendo al público por su presencia durante toda la semana y que esperaba en el futuro seguir contando con los espectadores para presentaciones posteriores. La pregunta en este caso es: Generará cambios en nuestra ciudad, la realización de La Semana del Teatro? Estos eventos tuvieron la cobertura de la prensa casi todos los días mientras duraron las presentaciones, pero esta semana, luego del fin de todo esto, qué ha pasado? Es como si a los diario les hubiera dado amnesia. El teatro ha vuelto al olvido. Espero que no sea por mucho tiempo. En cuanto al público, éste respondió masivamente durante toda esta semana, bajo el precio módico de $2 por entrada, pero… Qué sucederá en las próximas presentaciones que haga cada grupo de manera individual? Ahora los teatristas han manifestado la idea de asociarse bajo alguna figura jurídica para tener un respaldo, pero también habrá que ver si la divergencia de criterios entre algunas compañías teatrales permitirá una asociación entre todos. El panorama teatral guayaquileño aun se ve difuminado. Tendremos que esperar a ver qué sucede y hacerle un seguimiento a esto, ya que “La Semana del Teatro”, no debería quedar en una semana de entretenimiento más en una ciudad que parecería que sólo le rinde culto a la novedad y a los eventos fugaces. El teatro en Guayaquil está vivo y así se debe mantener. Adelante señores teatristas!

Juguete Cerca de la Violencia

2008-03-31T18:30:00.004-05:00

Pilar Aranda, en una escena de "Juguete Cerca de la Violencia"

Este viernes 28 de marzo, Muégano Teatro se hizo presente en “La Semana del Teatro”, con su obra “Juguete cerca de la Violencia”, recientemente presentada con éxito, en el Festival de Teatro Internacional de Bogotá.
Desde las 18h30, el público llenaba los exteriores de la Casa del Cultura del Guayas. El precio módico de $2 y la acogida que ha tenido en la ciudad la obra de Muégano Teatro, incidió en que la audiencia llenara por completo el teatro José Martínez Queirolo de la Casa de la Cultura, que fue testigo de una obra de alto nivel semiótico, de estilo brechtiano y con situaciones hilarantes que iban desde lo cómico hasta lo dramático.
“Juguete cerca de la violencia”, narra la historia del primer vuelo sobre el océano, donde se enfrenta, el hombre armado de su tecnología, contra la madre naturaleza. La trama se nos presenta fragmentada y el espectador la va construyendo a lo largo de la obra, teniendo como fondo un mundo posmoderno –por eso Bretch sigue vigente-, en el que la violencia está inherente en la humanidad y que mientras la violencia exista, existirá también la ayuda.
El humor, manejado de manera sutil e inteligente, demostró la gran calidad que posee Muégano Teatro, grupo que ha venido trabajando en esta obra desde hace varios años atrás. La puesta en escena, aunque minimalista, le permite al espectador completar los distintos escenarios que se plantean en la obra.
“Juguete cerca de la Violencia” está basada intencionalmente en dos obras menores de Bertolt Brecht: Vuelo sobre el Océano y la Ópera Didáctica de Baden sobre el Acuerdo. Según Santiago Roldós, director de Muégano Teatro, la elección de estas dos obras menores de Bretch le permitió inmiscuirse más en el mundo del propio autor, dejando de lado sus obras más célebres.
Al término de la obra, Pilar Aranda, co-directora de la pieza y de Muégano Teatro, pidió disculpas por el atraso que tuvieron para presentar la obra debido a problemas técnicos. La gente del público, agradecida con una obra de tan alto nivel, sólo atinó a decirle: “Valió la pena la espera”.
Muégano Teatro se ha caracterizado desde sus inicios en tener una disciplina muy rigurosa con sus presentaciones y con ellos mismos como actores. Están conscientes de que el teatro es un permanente riesgo y así viven cada una de las representaciones de “Juguete cerca de la Violencia”. Lamentablemente, en la ciudad, no existen salas con las necesidades que exige una obra de estas características y muchas veces el personal técnico no resulta ser puntual a las citaciones, de ahí el retraso del que hablaba Aranda al final de la presentación. Retraso que no afectó en nada para la buena respuesta del público, que se encontraba tan febril por ver esta obra, que olvidaron que la hora de presentación era a las 20h00 y algunos tuvieron malestar por esperar afuera de la sala hasta que llegara dicha hora, en la que efectivamente arrancó la obra.

Noche de Impro y de Humor

2008-03-28T14:10:00.002-05:00

El grupo Fantoche, al inicio de su espectáculo

El jueves 27 de marzo, luego del desfile de los teatristas, por motivo del día Internacional del Teatro, el grupo Fantoche, se presentó a las 20h00, en la Casa de la Cultura Núcleo del Guayas con su match de improvisación, el cual llenó por completo la cinemateca de la C.C.G. Muchas personas tuvieron que sentarse incluso en el piso y otras permanecieron de pie, para poder observar el espectáculo encabezado por los actores Hugo Avilés y Ruth Coello, fundadores de Fantoche.
Con un dado gigante como herramienta principal, un bol de vidrio -donde se almacenaban los papelitos que los espectadores debían llenar para poder realizar el match de impro- y unos “combos” de juegos colocados en la pantalla de la sala, los actores de Fantoche, ponían en escena las situaciones más descabelladas y humorísticas con una destreza envidiable, fruto de un trabajo constante y de una preparación fuerte que realiza este grupo como calentamiento antes de salir al escenario.
El público se divirtió y justamente por la manera en que el espectáculo estaba concebido, la audiencia participó activamente en la realización de los juegos de impro, que iban desde la realización de un comercial de un producto inverosímil hasta una de escenificación en la que los actores debían interactuar con los ojos vendados.
Paralelamente, en el teatro Del Ángel, se presentó el grupo Mímesis con la obra “Cara o Sello”. Bajo la dirección de Peter García, esta obra presenta la historia de Pancho y Laura, una pareja de recién casados, cuya felicidad se ve interrumpida con la llegada de la familia de Pancho, a la que éste debe además mantenerlos. Esta agrupación, con una corta trayectoria –se formó en octubre del 2007-, demostró ciertas falencias propias de las de un principiante, como el humor fácil y personajes estereotipados, que daban lugar a situaciones cómicas ya muy explotadas en la televisión. De todas formas, las buenas actuaciones de los actores veteranos así como la del protagonista de la historia, ayudaron a realzar la obra, que fue del completo agrado del público. Esperemos que en el futuro Mímesis no siga cayendo en el humor fácil, ya que en el elenco actoral, se vieron algunos aciertos, que podrían garantizarle buenos augurios en lo sucesivo.
Y así, entre un match de impro de alto nivel y una historia de amor cómica, se cierra un día más de “La Semana del Teatro”, en Guayaquil.

El Día Internacional del Teatro

2008-03-27T18:05:00.002-05:00

Por motivo de esta fecha mundial, los teatristas guayaquileños realizaron un magno desfile a lo largo de la av. 9 de octubre. Actores de diferentes grupos, de teatro y de televisión, se dieron cita desde las 15.00 en Barricaña, de donde salieron hasta llegar al Malecón 2000, para luego realizar una función de la ya perdida costumbre del Teatro de la gorra, en la Plaza San Francisco.

A lo largo de este desfile reinó la algarabía. Grupos de las conocidas “horas loca”, también se dieron cita y junto a su colorido e instrumentos de percusión dieron realce a la marcha, que literalmente paró el tráfico de la avenida más importante de la urbe. Algunos lo tomaron calma y hasta con curiosidad. Otros en cambio, no podían disimular el coraje, al no poder llegar a su lugar de destino en el momento indicado. El asunto es que este desfile, en el que mostraron pancartas alusivas a la revolución cultural en Guayaquil y consignas tales como “Viva el Teatro”, contó con una gran acogida. Algunos transeúntes aprovecharon la ocasión para ver de cerca a sus actores favoritos, especialmente los de la telenovela “El Cholito”, quienes de muy buena gana firmaron autógrafos y posaron para las cámaras junto a sus fans.
El momento álgido del desfile fue cuando los actores llegaron a la intersección entre la av. 9 de octubre y la del Malecón. Entre gritos de alegría y saltos, los actores proclamaban por sus derechos y festejaban el día internacional del teatro. Luego de unos minutos, a pedido de la Comisión de Tránsito del Guayas, los actores retrocedieron su marcha hasta llegar a la Plaza San Francisco donde algunos grupos del teatro de calle, hicieron una presentación del teatro de la gorra, tal como estaba previsto por Augusto Enríquez y demás miembros de la comisión encargada del desfile.
Los actores del teatro de la calle, aprovecharon la oportunidad de recordar que por causa de la Regeneración Urbana, el teatro de la gorra, tan popular en el Guayaquil de antes, se había perdido y que ahora, aprovechando “La Semana del Teatro”, iban a tratar de recuperar ese espacio en los parques de la ciudad, donde años atrás el teatro de calle, era parte de nuestra identidad urbana.
Siendo casi las seis de la tarde, los teatristas de la ciudad empezaron su camino de retorno a Barricaña, después de haber cumplido con la labor de manifestarse en la ciudad y de haber reunido a un gran número de personas en la Plaza San Francisco, quienes disfrutaron de los populares sketches de los actores de la calle.